Navegando en L'Atalante

nueva york sin flarf

2011-11-04T21:20:00.010-05:00

no poem before ~

NYC – > Nueva York de nuevo

la otra Nueva York

esa nueva, la del café expreso

la del amor y el vino en casa

ella que solo es transitada en tres calles

y encuentra la fruta exprimida sin Co-ops

transecto Lower East Side

una excursión entre 1st Ave y Avenue C

un picnic en Tompkins Square Park

Nueva York de uno solo

sin museos, ni conciertos, ni parques, ni anarquistas

on one’s one

compre(h)ension ante el recreo dialéctico

de quien encontró el campo dentro de la ciudad

y el océano de Nueva York

una casa-bote entre grúas y astilleros

la estatua me mira de frente

Nueva York desde un taxi

la fugaz y enigmática

belleza de otra música.

no flarf after ~

NYC < – Nueva York de siempre

sin olvido, Nueva York

esta misma ciudad

acostumbrada

la del vagabundeo y otros encuentros

reencuentros y urgente diálogo

la que no cuestiona, tan solo halla

sufrió por Naturaleza el sacrificio de su posición ~,,,_GeoGrÁficA_,,,~

y experimentó sin precedentes

ella, siempre tan pionera

yo, nunca dejo de explorarla, de perderme en sus esquinas y en los descampados

de dormir en varias casas, despertarme en otra habitación

bailar en la cocina, comer en la escalera y en las azoteas

travesías de activismo

Grub sin hambre y dumpster diving por aquellos

la mirada de hace tiempo, de otras veces

ahora desde el interior de la ciudad no veo el mar, solo el bosque

antes de irme

y no quiero volver a irme

de esa misma ciudad

la que otra vez sorprende

la de mi memoria.

He vuelto a regresar de Nueva York.

[notas escritas en algún sitio entre Park Slope y Red Hook (Brooklyn) el 27 de agosto de 2011]

- - - - - + - - + + - - - -- -+ ++ - - - ---++-+ + - -- -++-+ - - + - - --- - - + +- + - - - - - + - - -

Hoy lo descubrí, al escribir la fecha en un papel, me salió sin pensar "4 Nov 2009" en vez de 2011, dulce error, jugada del astuto subconsciente que me hizo recordar un día que salí de aquí, aterricé en NYC y me quedé a vivir.

He vuelto a regresar de allí.

Sic Alps, burlando a la era digital con cintas y cartuchos

2011-09-11T16:05:00.074-05:00

Toca el retorno de un viaje, desde un puerto, desde un bosque, una nube, una montaña.

Lo mío ha sido una selva de abetos rojos junto al mar en una isla al otro lado del océano, de nuevo en esos estados tan unidos, en una de sus costas del Este muy al norte, perdiendo la noción del territorio. También ha sido un terremoto, y un huracán con nombre de emperatriz bizantina, un poco más abajo, en otra isla muy concurrida entre agua y rascacielos.

Lo cierto es que nunca se regresa del todo al lugar de origen ya que otros se encargan de traernos su música y sus paisajes, y nos devuelven el viaje. Ahora en un viaje imaginario recorro la costa del otro lado, la del Oeste en el Pacífico.

Más allá del fin de semana, un día, uno entre semana y el menos esperado, el miércoles por ejemplo, aparecerán ellos desde San Francisco y nos contarán la “Descripción de un puerto”, sus retrocesos en el tiempo sobre tablas de surf y cemento, cantando a los Jackson 5, anonadados entre calles adosadas.

Son Sic Alps. Son tres, pero una vez y después de ser algunos más, fueron dos: Mike Donovan y Matthew Hartman, con raíces en bandas nada menos que The Hospitals y Coachwhips. En estos momentos es Noel Von Harmonson, de Comets on Fire, el que se une al dúo. Tras el paso efímero de Ty Segall.

Citar a estas bandas bastaría para entender de qué manera han calado en sus inicios. Tiempos en que un ruidismo más marcado se filtraba entre armonías muy próximas al proto-punk neozelandés (The Dead C, The Clean, The Chills…), tiempos de “Pleasures and Treasures” (Animal Disguise, 2006), su primer álbum, digno de la atención de Thurston Moore, grabado seguro en la vieja furgoneta verde que aparece en su portada. Momentos de canciones pop que se resisten en llegar a serlo, encajadas en sonidos entubados de latón que se escapan entre las bisagras. No la encuentro entera pero prueben RATROQ, del sencillo “Strawberry Guillotine” (Woodsist, 2007).

Sic Alps son de otras montañas más cálidas y estridentes que los Alpes, y de las playas más californianas, en el Área de la Bahía. Allí surge recientemente una nueva ola de garage-rock, la de San Francisco, formada por amigos, compañeros, gente conectada entre sí a través de sus proyectos (Thee Oh Sees, Ty Segall, Erase Errata, The Fresh & Onlys, Sonny Smith, Kelley Stoltz,…), cada uno en su modo de hacer particular y rudimentario, familiares e inspirados por las formas analógicas y las grabadoras de cinta, tipo Tascam 388, y encontrándose a veces bajo la influencia común de Syd Barrett, unos; bajo la de Brian Wilson, otros.

En el caso de Sic Alps, si este rock del estuario atiende al de otra era, como esa, la Era Nuggets, _acercándose en el clasicismo de la melodía y escapando en un momento de aquel molde, piruetas para evitar la persistencia y reinventarse en la mini canción_, el suyo es un rock muy condensado, de estructura irregular, enérgico y luminoso, pausado y comprimido por momentos, estallando frenético después o arrastrándose hasta una cacofonía metálica y oxidada, detrás de una semi voz oculta en distorsión.

Un sonido cuya expresión no habría ideado ni el propio Hartman para describirlo mejor, “no tan lo-fi, sino más old-fi”, rescatándola encantado de una reseña sobre su último álbum “Napa Asylum” (Drag City, 2010) publicada en Pitchfork. Lo cual no se explica tan solo por su producción casera, _los primeros singles y EP’s, grabados sobre cintas de casete, CD-R’s, LPs, todo de edición limitadísima; y ahora su reciente reedición en 2010 del “U.S. Ez” (Siltbreeze, 2008) en formato de 8 pistas sobre cinta magnética_, o por el hecho de que el estudio de grabación se ubique en el sótano de Hartman, no, sino por el proceso de trabajo de la banda, que él mismo describe, “similar a la reconstrucción de un rompecabezas”. Un proceso en el que la clave de su hacer es la superposición de capas y capas de pesadísima reverb. “Microcastle” del EP "The Soft Tour in Rough Form" (Mt. Snt. Mtn., 2006).

Y con todo ello, queda claro un “rotundo no” a la etiqueta de “lo-fi”… y lo subscribo. ¡[sic] por los Sic!

Así es que si su rock fuera clásico (básicamente es guitarra y batería), podría acercarse a lo que suele llamarse folk americano o al garage punk y a la psicodelia de influencia setentera, o al beat de los británicos sesenta. Temas que irían desde el trance y la repetición desconcertante de la Velvet Underground, hacia el gancho de unos Pretty Things, Beatles, o los Kinks, _marcas de agua a lo Ray Davies, Lennon y McCartney, filigranas que ellos declaran dejar ver_. Entretanto con guiños a Beat Happening o a la sinfonía atropellada de Half Japanese cuando no es ruidista. No hay más que darle una escucha al adictivo EP "Description Of The Harbor" (Awesome Vistas, 2007) para imaginarlo.

Pero como si tachase lo anterior, imagínense que no lo dije, olvido el exceso y la asociación, tanta banda, adjetivo, etiqueta y léxico contaminado; en todo caso guardo lo que ellos nombraron brown-psychedelic, lo psych es otra historia diferente a lo que transmiten desde su pop “deteriorado”, asienten. “Damaged”. ……[sic]

Nos gustaría no tener que decir nada, tan solo describirlo en su crudeza, masticar la música de Sic Alps y decir-sentir, tal cual, que es su propia versión, la transcripción vintage de un sonido popular que ellos cocinan, desgastan y trituran. Saturado en un excursionismo hacia el pasado, lo reinventan con el desparpajo de su actitud irónica, ecléctica y muy, muy DIY, _vean cómo se despiden, reverencias para finales delirantes_, ¿contemporánea o no?,¿y qué?

Desde aquí les invito a comprobarlo, a entrar en su directo presentando el álbum “Napa Asylum” (Drag City, 2010) en su gira por el territorio, con oportunidades para verlos, ahora en septiembre, en Vitoria-Gasteiz, Madrid y Barcelona.

“Siglos”_, dicen, es el tiempo que les ha llevado grabar el disco, editado el año pasado, tiempo que se tomaron bajo el compromiso de hacer un doble álbum muy especial, 22 canciones como píldoras, cuyo sonido representa la síntesis de toda su experiencia en los últimos meses. El resultado, enriquecido por la aportación del nuevo miembro es sorprendentemente el de un proyecto más mínimal y melodioso. Noel Von Harmonson procede de otras catedrales del noise rock.

Antes de su edición trabajaron en un split con Magik Markers. Y se fueron con Sonic Youth en una mini gira por la costa Oeste norteamericana; igualmente con Pavement compartieron escenario, y con muchos otros más (Broken Social Scene, The Clean, Wooden Shjips, Six Organs of Admittance). Pero lo más divertido debió ser verlos tocando en San Francisco para un público absolutamente entregado a los GYBE, preparando a la im-paciente audiencia con temas que no llegan a los dos minutos frente a las composiciones de los invitados que después durarían una eternidad. ¡La culpa es de un fan de Sic Alps entre los de Montreal!

Esta vez sin celebridades, visitándonos y a su manera tocarán en la sala Jimmy Jazz, efectivamente un miércoles, este próximo, 14 de septiembre en Vitoria-Gasteiz.

Al día siguiente tocarán en Madrid, en El Perro Club, y después en La [2] de Nitsa, en Barcelona, de la mano de los siempre incendiarios Giradiscos. Aquí su gira española.

¡«[sic]»!

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nota añadida:

¿Qué es Sic Alps o quiénes son?

Parece ser que Ty Segall, cuyo paso por la banda en 2009 apenas duró un año, vuelve a ser reclutado por Mike Donovan y a formar parte una vez más de Sic Alps con ciertos cambios en la formación en estos momentos y quizás desde que terminó la primavera.
Así es con el batería y guitarrista Matt Hartman, componente hasta la grabación del último disco "Napa Asylum", que siendo miembro fundador y permanente parece haber dejado el grupo. Por otro lado, Noel Von Harmonson continúa en Sic Alps.

Pequeños cambios que no les impide tener preparado otro single para finales de este mes. Más sorpresas. Le preguntaremos a Mike cuando lleguen.

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SWANS, en la memoria y el después de Michael Gira

2011-06-02T06:56:00.026-06:00

05/28@PS11

No recobramos sentido. Vacío y pesadumbre; nostalgia me causa ahora mismo aquel momento, la noche del sábado entre las 00:15 y la 1:25, en el de un ejercicio descomunal. Dentro de mi cuarto recuerdo y vuelvo a imaginar la experiencia prístina. Reproduzco el podcast del directo de Swans y se me vuelve a encoger el corazón. Aún bajo el efecto de la proximidad anímica y temporal del asunto (hace tres días del Primavera Sound'11) yo podría parecer exagerada, _de hecho y ahora de regreso, todos los que allí estuvimos podríamos pertenecer a una secta, la de los vampirizados por el sonido demoníaco, físico y brutal de la banda de Michael Gira_. Él, de traje y hoy sin sombrero, como el Joseph Beuys de la música.

Desde un techo invisible donde tocan campanas arranca un timbre afilado y extenso, después fracturan la “intro” a golpe de batería. Es “No Words/ No Thoughts” descarnada, tema que abre su último álbum tras 14 años, y que ahora alteran de manera demencial. Descienden y en una estrategia de distanciamiento confunden nuestra lógica-(de)-escucha para hundirnos de nuevo en la espiral de turbinas. Le sigue “Jim” apresurada. Entre placas de sonido aplastado aparece la gravísima voz de Gira, tan excitante y rasgada como ofensiva, _ y yo me acuerdo de la ternura gélida y bowiana en la versión de "Under Pressure" por Xiu Xiu, diooooos, ¡es el mismo tío!_, fisuras de silencio y densidad solemne en un concierto para invocar. Estética de aristócratas no wave que disfraza a las fieras escénicas. Después de casi treinta años y un hiato hoy vuelven a impactar, porque esto no es una reunión, es un vuelta a empezar con ”My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky” (Young God Records, 2010). Dos baterías, dos guitarras, un bajo y un dulcimer, entre muros de pantallas y arsenal de percusión metálica, parece fácil.

Arrastran y aporrean gongs, aceleran, revientan vibráfonos y teclados, funden todo en una maraña de distorsión elástica, impecable y atroz. Una auténtica ida de olla calculada. Y si mi recuerdo sensorial no falla, otro viaje en el interior de una hipérbola imaginada o una especie de continuum me superó hace años cuando escuché un disco de Old, sé que el sábado volvió a pasar solo que ahora la representación se materializaba.

Entré en un círculo de gravedad antes de que el ruido comenzase a estamparse contra nosotros. Miraba a mi alrededor y el eco adictivo crecía. Voces o bailes que casi eran espasmos, ojos clavados y risa nerviosa entre mis compañeros. H en trance, N no los conocía, ya había olvidado lo que se dejó en su lugar. I se detuvo y se aisló, congelado con su mirada azul al frente. Aquello podría no haberse acabado nunca.

I am free, I will begin again. We are free, we are free… clama Gira tremendo en “Eden Prison” para cerrar. Salir de la plaza nos costó un imposible. Después del grito del caballero oscuro sin sombrero, _Rise up! Now!_, rompiendo una lanza por el 15M y dudando de si con ello éramos bendecidos o maldecidos, marchamos de allí sin fuerzas para lo siguiente, vaciados y exhaustos... más bien nos dedicamos a propagar lo poético de lo que el resto del gentío no había ingerido. Pobre del que por allí se paseó y no sucumbió.

Hoy volvía a escuchar el directo. Y casi enfermo, no es broma, es coincidencia. Y me reafirmo, el paisaje de horizonte en el que se abandonan después de sufrir la catarsis de batería seca y desquiciada, parones y atropellos, pre-, -post entre guitarra amorfa (vean, minuto 6:44:00), genera un recuerdo del industrial “Lo Flux Tube” (Earache, 1991), aquel segundo álbum, o del “The Musical Dimension of Sleastak” (Earache, 1993) de OLD (Old Lady Drivers). Y los cabos se van atando cuando descubro a John Zorn entre sus colaboraciones con los del grindcore.
No voy a contar aquí las influencias de Swans, sus vínculos o, mejor dicho, lo que Gira descubrió y lo que esta banda sigue aportando desde su clandestinidad y su ruidismo marginal del no wave neoyorquino al mundo del avant-garde e industrial desde hace ya décadas de música experimental.

Swans en Tel Aviv (galería pública en Picasaweb)

Este año me quedé sin ver a los de Steve Albini lo cual ya no entristece sino que sugiere ideas, _prestadas de amigos que quizás lo inciten_, para nuevas propuestas en futuros PS… por ejemplo, sustituir a Shellac por Big Black, ¡¿y por qué no?!, para variar.

nota

Andamos tras Jonathan Kane, batería y cofundador de Swans junto a Gira, solo estuvo en la banda hasta 1983. Es muy probable que venga a tocar a esta pequeña ciudad. Él es una maravilla en sus proyectos con mil guitarras (Rhys Chatham, La Monte Young,..) pero incluso por el homenaje a este recuerdo valdrá la pena.

Jonathan Kane y Michael Gira a principios de los 80

Un viaje con Moon Duo

2011-05-23T04:19:00.016-06:00

La última vez que mandé un mail sobre Moon Duo tocaban aquí por primera vez, era un estreno, el nuestro y el suyo, en medio de ciclos, fiestas y *jazzes*... amor a primera vista. Aún no ha hecho un año. Ahora vuelven y llegan en medio de una Historia, de plazas y revueltas... y de una hecatombe.

Son Sanae Yamada y Ripley Johnson (Wooden Shjips). No son un dúo, vienen desde San Francisco y nos presentan su último largo, Mazes (Souterrain Transmissions/ Sacred Bones, 2011), grabado en Berlín y con un sonido más colorista aunque su corazón continua siendo de Cluster y Suicide. Sobre la base esencial de krautrock hipnótico y de un continuo drone, esta vez diluyen capas de ruido y descubren en cada canción melodías pop.

Como un ángulo oculto de Wooden Shjips, como su alternativa, experimento o variación, el sonido de Moon Duo en este disco es abierto y más ligero. La culpa es de un moog, el sinte modular de Sanae llevado hasta un primer plano para hundir aún más la voz, ya lejana y casi arrastrada, de Ripley bajo sus riffs, máxima espiral analógica en “Scars”, como un recuerdo circense o un retrato de un viaje en carretera. Y de nuevo un giro a la intensidad y al eco turbio en “Fallout”, recordándonos a Spectrum, un guiño claro que resolverán con Sonic Boom en el remix.
Ripley repite sobre ritmos de teclado, cuerdas y palmadas en “When You Cut” “I feel the walls closing in on me” persuadiéndonos a entrar en una cápsula de psicodelia, en un directo donde precisamente no hay muros ni gravedad, sino expansión de potencia sin fin.

Hoy tocan. Aquí. En Vitoria-Gasteiz. A las 20:00 en Ibu Hots.
¿Su concierto? otro arrebato esencial.

Pero esto es solo el comienzo en nuestro territorio, para cerrar su larguísima gira:

las fechas son:

24 de mayo - Madrid (Nasti)

25 de mayo - Azkoitia, Guipuzkoa (Matadero Ekintzak)

26 de mayo - Barcelona (Primavera Sound)

27 de mayo - Granada (Planta Baja)

28 de mayo – Bermeo, Vizcaya (Ateneo Cultura Beleza Malandra)

29 de mayo – Puerto de Santa Maria, Cádiz (Milwaukee)

The Oscillation: Veils en el logaritmo de la armonía

2011-03-24T02:25:00.008-05:00

foto by all that improbable blue

Se denomina oscilación a una variación, perturbación o fluctuación en el tiempo de un medio o sistema. Una oscilación en un medio material es lo que crea el sonido. Una oscilación en una corriente eléctrica crea una onda electromagnética.

Su nombre, los títulos y las portadas de sus discos hablan por sí solos de la música que ingenia The Oscillation

Los ingleses que en 2007 tanteaban ilusiones psicodélicas y nu-gaze con su debut “Out Of Phase” rememorando a Slowdive, MBV y Spacemen 3, nos devuelven desde las entrañas su sonido vernáculo de sintes y texturas etéreas, ahondando en el terreno ahora más sombrío y escarpado de "Veils" (All Time Low, 2011), el nuevo álbum que presentan en su mini gira europea, también publicado en DC Recordings. Diez temas encapsulados a punto de estallar sobre el escenario tras el filtro lumínico del caleidoscopio de Julian Hand... porque la música se inundará de imágenes y el sonido creado por el grupo en su espacio se hará onda electromagnética cuando cruce la corriente proyectada de las geometrías cósmicas Hand by Hand.

“Veils” arranca con ‘Sandstorm’, un comienzo de space rock con intro de homenaje muy fugaz al ‘Silver Machine’ de Hawkwind, después en un susurro la voz de Demian Castellanos retorna a oscuridades de Spectrum. A partir de entonces ‘Future Echo’ se abre como una turbina de luz donde crece el dinamismo orgánico de un Deerhunter atemporal.

foto by http://blog.kitchener.ch/

Si Moon Duo nos trajo una vez el krautrock setentero desde San Francisco, ahora es Londres la ciudad del grupo que lo reivindica, la banda de Demian Castellanos, el músico y productor que ha trabajado con Tim Holmes (Death In Vegas) y con miembros de Chrome Hoof, “discípulos de Sun Ra.” Y si algo de un alienígena llamado Julian Cope (The Teardrop Explodes) pudiese insinuarse, aquel ya le hizo su homenaje en el álbum debut con ‘Head Hang Low’ al que escribió Krautrocksampler.

Y hablando de kraut, ¿cómo es su sonido?? ellos ya nos dan las pistas en su MySpace, con Neu! entre sus menciones, yo añado a Amon Düül porque ya se intuye en “Out Of Phase”, lejanía entrecortada en temas como ‘Hear Your Sadness’ y.‘Respond In Silence’, _que entraría en fase senoidal con ‘Ankle Injuries’ de los británicos Fujiya & Miyagi y voces en clave Suicide_.

Y sin salir de la Isla, agrego en femenino a Amp, y a Pram, y a Seefeel y Moonshake…y a todo aquel puro eco Too Pure, ensamblando a un Bark Psychosis fuera de su género encasillado... y ya me voy por las ramas del anglo-shoegaze de los 90 que hurgaba en los 70 encontrando otras “oscilaciones” como las de Silver Apples, porque la tensión de espera nunca detiene el recuerdo..

y en esta espiral sigo turbada pero termino en otro continente, aquel del que se dejan extraer “alegrías paisajísticas” del dream pop de Galaxie 500 o insertando el roce tribal de Apse en ‘Sandstorm’ y ‘Shake Your Dreams Awake’, ..hiper lejos queda una voz ambigua y desterrada de..

desterrados o impugnados que aun en condena yo no podría obviar: un estrecho guiño a GYBE entre "F # A # ∞" y sus “…Antenas al Cielo” [2/2] en los ecos finales de 'Veils' que desembarcan en ‘Lament’, la electricidad horizontal para un final de resplandor amargo y perplejo.

Alguien dijo que si aún quedaban dudas sobre su primer disco solo habría que imaginarlo como una radiotransmisión desde un desconocido Saturno y en la mejor longitud de onda... tratándose del directo y su segundo disco.. recomiendo subirse a la astronave!

Los veremos de colores circulando todo el finde por aquí, Barcelona, Madrid y Vitoria-Gasteiz: el viernes en La 2, el sábado en el Nasti, y el domingo en Ibu Hots.

...y elevado a infinito:

¡que empiece el ciclo sideral-sinusoidal!

Gira española de The Oscillation (DC Recordings/ All Time Low/ UK)

25 de marzo - Barcelona - La [2]

26 de marzo - Madrid (Nasti)

27 de marzo - Vitoria-Gasteiz (Ibu Hots)

29 de marzo - Azkoitia (Matadero)

cartel por Montaña Sagrada (http://msagrada.wordpress.com/)

moradas efímeras por (para) sobrevivir

2011-01-06T23:08:00.005-05:00

miniaturas de Charles Simonds (imagen vía hyperallergic.com)

Podría imaginar que volverían a pasar los meses y me encontraría en otro año con un blog desolado que no olvidado; que todo aquello que una vez quise contar iría quedando en notas o en dibujos y en las líneas de un cuaderno, o de un trozo de papel o en los infinitos archivos de estos borradores que nunca acaban y solo se acumulan, que escribir de música, historia o paisaje no es una excusa..

...y lo posponía porque siempre busqué un orden, un desorden de “cronología invertida”, pero un orden mío al fin y al cabo… _nunca esto, feliz acontecimiento, antes de aquellas historias, no, porque me vuelvo loca_ , pensaba, ..infeliz esquiva.

¿y ahora qué?

de nuevo un cambio off--> on , otros dos polos: v --> g en lugar de n --> y

de nuevo un 0 es tragado por un 1, este 11 también “rompe un cero” así que en el fondo es como otra oportunidad, esta vez dos veces “sí”!, además siendo impar no me queda otra que confiar en la permuta; sonrío y espanto a la mala suerte.

...y desearía que fuese como un juego, como aquellas miniaturas de Charles Simonds, mini paisajes y micro arquitecturas que construía en el Lower East Side de los años 70 en Nueva York para la “Gente Pequeña”, preciosas aldeas de barro, fantasías de fragilidad perdidas.

...y porque si escribir por no pintar es una forma de escapar y de librarme de no sé qué, entonces lo haré en desorden y a través de las cosas que no son solo mías, si no tendría que formar un grupo y hacer canciones pero eso lo dejo para otra vida…

...y aunque ya lo dije hace justo un año, y hace varias ciudades, entonces fue Nueva York, me tomo la ocasión de re-comenzar, y re-tomo lo no olvidable.

aldeas de Charles Simonds
(imagen vía flickr.com ian_crowther)

coming from everywhere

2010-05-20T03:14:00.011-06:00

“Nietzsche describía un ciclo que le conducía a declinar, como un astro sin descanso, sin morada estable, con un recorrido puntual, tanto en su salida como en su puesta, en verano como en invierno. […] Zaratustra representa esta necesidad que tenía de abandonar sus montañas para viajar a través del llano y dirigirse al encuentro de los hombres en las ciudades.”

Mathieu Kessler, Le paisaje et son ombre, 1999, París, (El paisaje y su sombra)
...

No consuela decir, _mi vida es un caos_, además ¿la de quién no lo es?, pero me tranquiliza pensar en ciclos, ciclos vitales que se vuelcan en cada punto de inflexión, ese momento exclusivo que conservamos para siempre como único y sin el cual no hubiese sucedido aquello… y su consiguiente otro aquello…
Después de casi un año sin saber muy bien dónde estoy, entre tantos puntos de inflexión, curvas estrechas y sorpresas, entro en un largo arco menos pronunciado. El ciclo en que se me permite cavilar un poco más… y quizás hasta ordenar esos trastos de ahí arriba.

Un año rompiendo rutinas y buscando vivir como quiero, dos mil nueve será de esos años que uno recuerda. Retomo aquellos días en que dejaba Madrid. Después regresé y volví a marcharme. Y ahora nunca dejo de marcharme porque la necesito. Un tiempo viviendo en Nueva York y después entre Madrid y Vitoria-Gasteiz. Luego de nuevo a Norteamérica y a continuación, por fin, un retorno a esta paz nórdica.

¿Cómo podría describir estos últimos meses de manera ordenada? No lo haré (ordenadamente), el orden será la ocurrencia de cronología invertida y el relato un collage siempre incompleto.

Empiezo aquí las cartas de circunnavegación introducidas por itinerarios:

jet lag en gasteiz; 11-12 de mayo o hace una semana.

boston bucólico vs enero de boston.

syracuse (siracusa) en la llanura democrática de la ecología.

ottawa no tiene el corazón de hielo, solo un anillo verde sin voluntad.

montreal, al otro lado del caleidoscopio.

nueva york no será philly (a pesar de brooklyn…)

in passing everywhere

2010-05-17T04:12:00.011-06:00

La flecha

“¿De qué manera agrando mi terreno hacia allá? ¡Sorteando aquel cerro, atravesando este lago, cruzando aquel río! Partiendo de este razonamiento, la capacidad intelectual humana de recorrer a su antojo el planeta y lo ultraterrestre; su desarrollo físico se encuentra insuficiente para sus deseos, ésta es la tragedia humana. A partir de la tensión entre potencia e impotencia nace el problema de la existencia del hombre: el ser humano resulta, entonces, en parte libre, en parte prisionero.

La tragedia del hombre se verá acentuada cuanto más extenso resulte el viaje, porque el anhelo de volverse movimiento para alcanzar los objetivos propuestos se torna imposible. Es aquí donde el intelecto cobra el rol de médium entre lo terrestre y lo infinito.”

Paul Klee, Padagogisches Skizzenbuch, 1925

La ligne sans fin - Constant, 1958

Desearía interrumpir el tiempo.
Desearía permanecer con todas las personas a las que amo.
Desearía que esta cámara se detuviese en un tiempo-espacio eterno y todos nuestros personajes se quedasen aquí, conmigo, para siempre.
Desearía un viaje sin fin.

Parachute Jump en Coney Island, Brooklyn, abril 2010

nyc-on-nye or nye-@-nyc y el futurismo

2010-01-05T01:44:00.021-05:00

Ni fui a Times Square ni vi la bola de cristal con sus 32.000 LED lights.
Desde Brooklyn y sin uvas, pasando antes por Queens, nos despedimos de este año y llegó el siguiente. No estuvimos en Manhattan pero era NYC on New Year’s Eve.
El juego de palabras, el baile de estas letras y la permutación de cifras por el nuevo año funcionaba como un acertijo de almanaque.

Al escribir la fecha del archivo el primero de año me apareció este número:
100101 ---> viernes, 1 de enero de 2010
100102 ---> sábado, 2 de enero de 2010
etc…

Ordeno por años, sitúo el día detrás del mes y delante el año, al escribir la secuencia me resulta un número confuso, enmarañado, ambiguo como los de un letrero digital, líneas rectas en metacrilato sobre ceros y unos,.. es casi cósmico. Entonces recordé las cifras encendidas detrás de la pantalla de aquellos “Casio” retros y el lenguaje de las computadoras con su sistema interno de doble voltaje, el sistema de numeración binario de encendido (1) y apagado (0).
Escucho a Clara Rockmore y a Delia Derbyshire. Tristeza de metal y elegancia de ciencia ficción. ¡Ellas sí que eran smart! El sonido del Theremin y el del oscilador son como ese número astronómico, de zumbido lejano. Las mujeres construyen futurismo!
Y recuerdo que hablando con María sobre los dígitos del año, la lectura de 2010 prometía expectativas ante el cambio del “no” por el “sí”.

Cuando ahora escribo enero de 2010 como si fuera una secuencia de bits 1001 y si, según este antiguo sistema de representación, 1001 es igual a 9 en el sistema decimal, me doy cuenta de que a nuestro 9 se lo ha tragado un cero “apagado” y “el otro cero que [se] ha partido” ha servido para encenderse porque se ha cambiado por el uno de “encendido”. Esta idea acerca de las cifras del nuevo año, y la divertida confusión lingüística que se ha generado entre los anglosajones para pronunciarlo, me resulta tan mágica y astral que no puedo esperar otra cosa que un “mejor” para el año del tigre, porque su permuta es 2009 ---> 2010, porque el cambio es off ---> on

Según la Wiki, el número binario puede adoptar distintos símbolos en función de su arquitectura:

1 0 1 0 0 1 1 0 1 0
I - I - - I I - I -
x o x o o x x o x o
y n y n n y y n y n

y n y n n y y n y n

Las siglas ny que forman la palabra new york son como aquellos símbolos numéricos que asignan el valor positivo y negativo a las secuencias. Y en efecto, la secuencia de su nombre concuerda con el cambio:
new --> york es n --> y; es 0 --> 1; es off ---> on
La n y la y podrían ser los dos voltajes diferentes o el dúo de polaridad magnética que describe la mímica de esta ciudad. Y su contradicción. Optimista.

What’s up?

2009-12-31T07:34:00.031-05:00

Unas semanas en esta ciudad y meses sin hablar; nueva york gritando y mi atalante en silencio. Hoy, el impar lo merece. Y su despedida blanca.

La experiencia se amontona y la inmersión no me deja contar esa historia. La felicidad y la desilusión, la euforia y la ansiedad agota la energía que no me queda para decir ni dos palabras: What’s up?
Tomo aire, respiro y digo: What the fuck is going on here?
y sobre todo, ¿qué me ocurre a mí?
Lo siento y lo exprimo, me aturullo y grito, pero al cabo no alcanzo a contar, no encuentro cómo decir, no quiero terminar; no olvido, siempre existe un sentido, pero ese vacío…. y abismo enorme post-vacío… El hueco de la contrariedad después del éxtasis.
Ene-y-ce (NYC) o Ciudad de Nueva York.
¿Es un “encanto” o la pura traición? es la perversa droga que deseas (no) dejar, no way! Y si una vez la viste no dejarás de volver, hasta querer vivir… pero eso son intentos.
O no, porque empiezo a salirme con la mía. Eso me creo yo, y en cuanto me descuido, bang!, de nuevo estoy en medio de ese ciclón, inmóvil, detenida y vibrando. Eso es, mi volumen externo es la capa que separa dos caos, el de fuera y el mío interno.
¿Es todo, _cuánto de qué todo_, tan intenso y efímero que la impresión que me queda es aquella imagen que no se cuenta? Y ahora, quizás, ¿deseo contar cada frase que escucho, o cada letrero que leo, cada puerta que cruzo, cada habitación que comparto, cada callejón que descubro, cada abrazo que doy, cada beso robado, cada temblor, cada emoción y cada Arrebato, _ay! qué densidad! ha debido de ser la pena de su pérdida que desde aquí lamento_, así estoy, “vampiriZada”. La excitación y la impotencia, el amor y la rabia, el entusiasmo y el desencanto,…? Pero no es suficiente, nunca es suficiente.

Hace tiempo que quería contarlo, pero no encontraba dónde empezar, no acertaba desde dónde contar, desde qué tiempo – espacio. Ahora sigo sin encontrarlo pero me invento un rincón en mi cabeza, un lugar desde la lana de un gorro que me aísla, desde el envés del plástico de unos cascos viejos y delgados, desde el volumen altísimo de la música en mi ordenador, desde la mímica de una loca ajena al show de televisión que se celebra en mi casa..
…pero eso es fábula de otro día ya que, aunque aquí termine y comience otro año, si ya empecé, con tal de no callar, invierto el orden, la historia sigue y lo pasado queda o se hará retrospectiva.

Hoy no iré a Times Square,
pero se avecina en breve un exilio a Manhattan desde Brooklyn…

…desde aquí, mi querido Williamsburg.

Comiendo terreno Real. Una forma de reclamar “nuestro” espacio

2009-08-26T12:33:00.011-06:00

¿Qué jardines elegirías entre los más nobles de Madrid para descansar?
¿Qué te apetecería tomar en la calle bajo las estrellas?
¿Qué lugar público escogerías para tu intimidad?
¿Qué harías un viernes de agosto en esta ciudad?

Nada mejor que aprovechar el buen tiempo…y los espacios al aire libre.
La noche del viernes pasado volvió a ocuparse la calle en una acción que reivindica el desaprovechado o mal uso del espacio público.

De nuevo al ataque discreto comiendo terreno, esta vez en la Plaza de Oriente y en el bucólico entorno de sus jardines flanqueados por los ilustres Reales: Teatro y Palacio.

¿Es el encuentro como expresión personal una rebeldía osada, un atrevimiento excéntrico o sencillamente algo natural y por derecho?
Apropiarse del lugar ¿público o vacío (libre = aislado)? y darle la legitimidad de la habitabilidad lo convierte en un espacio significativo y lo hace identitario a través de la creatividad. Nada fue más fácil que llegar y poner la mesa para cenar, haciendo nuestro el lugar y rechazando con delicadeza rotunda la oferta de al lado en terrazas con turistas.

Ya lo dice la gente de ecosistema urbano en La Ciudad Viva: “¿Acaso hay algo que nos impida bajar a la calle nuestros muebles y convertirla en una extensión de nuestra casa? ¿Por qué no transformar estos espacios en extensiones de nuestra personalidad? ¿Por qué no asumir que el espacio público nos pertenece a los ciudadanos y por lo tanto deberíamos tener autonomía para regenerarlo por nuestros propios medios?”

Pues sí, por unas horas conseguimos adaptar el espacio urbano a nuestras necesidades y disfrutar, aunque si recordamos las miradas tímidas y curiosas de los transeúntes al pasar, ruborizados ante la intimidad casera mostrada podríamos pensar que hasta nos consideraron exhibicionistas. Como auténticos voyeurs pasaron los polis en moto.
Claramente fue una oportunidad para desdibujar la divergencia que establecen las “costumbres” entre lo público y lo privado.
¡Y viva la ambigüedad urbano-funcional! (que no la conceptual)

Así que de la forma más espontánea celebramos nuestra fiesta “por la buena vida”.
El mantel de cuadros, la jarra y los platos de la vieja vajilla, las velas y el centro de flores, las sillas de casa y los vasos de la cocina; estos enseres del “espacio privado” y lo cotidiano consiguieron mimetizarse entre el mobiliario urbano _por supuesto no desechamos el generoso banco del ayuntamiento como asiento corrido para unos cuantos_ los setos y las luminarias públicas. Y como si de nuestro salón se tratase, igualmente recogimos todo.

Una cena “por todo lo alto” a la luz de la luna, las velas y las farolas, bajo el ojo Real del Palacio y los célebres Reyes de piedra, casi ceremonial. Solo que si las ceremonias suelen estar aceptadas por costumbres y estatutos, la cena de Comiendo terreno era libre y clandestina.
Una ceremonia de guerrilla que elegantemente planteó una descontextualización del espacio hasta el punto de provocar el desconcierto más absoluto entre el público y las fuerzas del orden.

la maraña orgánica

2009-07-15T21:41:00.013-06:00

un fin para bio-tech-tastic

Se deshizo, la maraña bio-orgánica, la nuestra y la téchnica, la tástica y la logística.

Se llevaron todo, todos.
Nunca estuvo más bonito el jardín. Nunca vimos más competencia entre las especies que la que entonces mostró cada una para ser la elegida.
Con calma y por trozos bastó un fin de semana para desmontarlo todo, aprovechar el material y dar hogar ¡a todas las plantas!

Empezó el viernes 3 de julio rompiendo el hielo la Contrata que nos ayudó en su construcción, _ y, tan importante como aquello, en su destrucción estructural_, llevándose todo lo que re-plantaría en Muskiz (Vizcaya). Al verlos hacer, la gente del palacio se animó después.

El sábado lo vimos estupefactas... y satisfechas. Para entonces había desaparecido tastic vegetal. Junto a las flores y el codiciado Anigozanthos, se habían llevado el bosque de bio: nuestros arbustos perennes y la pequeña haya tardía.
(Queda la exuberancia, ver fotos).
Entonces acudieron los demás. Desde primera hora de la mañana fueron llegando los convocados y “receptados” por la retransmisión en Bilbao y algunos de sus artífices:
Inés con Taller de Soho, Josune, Alicia y amigas con furgo para desplazar un pedazo bio-tech del jardín al pequeño patio trasero de la galería Garabat, Urtzi, del jardín “Mikelen baratzea” (2º Premio), para ayudarnos, acompañarnos y recoger un saco fetiche, y así Estitxu del jardín “Kubito” y las chicas de “Materia”. Juan nos visitó y de paso se animó, Zurine y Jon “adoptaron” las gramíneas para implantarlas en la única franja orgánica de su local inmaculado,… etc… y así los demás con el surtido verde y con el material… ay, ay, silencioso y escurridizo metacrilato…

Así que poquito a poquito, entre colectivos y amigos, espontáneos y vecinos, visitantes y compañeros de otros jardines, se pudo “entregar” y cerrar el ciclo-jardín.
¡todos con pedacitos de bio-tech-tastic! e invitados también a todos esos otros jardines explicándoles lo que podrían encontrar allí, con el permiso de los equipos y compañeros a los que implicamos ¡gracias!

Mientras, nosotras pensábamos en los nuevos lugares del jardincito repartidos como su destino natural... y no la excavadora del ayuntamiento a la que les habría llevado la desidia si todos hubiésemos pasado... Ha merecido muchísimo la pena el esfuerzo, el esfuerzo de todos, en hablarlo, en difundirlo, en venir, en recoger, en transportarlo, en pensar cómo usarlo,....y con ello generar una acción social.
….por eso nos emocionaba tanto…

Esta es la parte gratificante. No os vamos a contar lo que toca a la devastación, basta el haber estado un minuto antes para comprobar el resultado que durante dos meses ha originado el caldo mágico de la lluvia y la temperatura de Bilbo…. y caer en lágrimas al ir destruyéndolo con amor y arrancar las plantitas que no deseaban irse de ninguna manera.... fue un sacrificio dulce y planeado.
Dividirlo y extirpar la esencia, el jardín desaparece, queramos o no. Pero el laboratorio perdura en la memoria y en nuestro aprendizaje.
Con flores o sin ellas, la existencia fugaz y la experiencia es lo que nos queda.

mila esker danagatik eta ikusi arte!

un viaje, un desguace... y un regalo

2009-07-02T22:50:00.022-06:00

BIO-TECH-TASTIC SE DESALMA... RECUPERA Y CONTINÚA EL RE-CICLO

Como en una peli con sus flashback y otros saltos, no empiezo en orden ni desde atrás sino desde el final, ¿final?

Mañana es el primer día de la destrucción, ¡que haremos sea bella y festiva!

Tres días nos dan para un desmantelamiento irrevocable que más que rabia y pereza da mucha lástima... tanta energía y adiós.
Duele el derribe y la pérdida de una obrita pero lo peor es que todo aquello que será arrasado, si antes no es desmontado, no pueda ser aprovechado de algún otro modo... más interesante que el posible vertedero.

La emoción y esta pena junto a buenas conversaciones nos llevaron a una idea que empezando por algo más espontáneo ha terminado en un “saqueo popular” urbano y organizado... ¡y un tanto tránsfuga!
Implicando incluso a otros participantes de BilbaoJardín’09 tratamos de prolongar los jardincitos en la memoria y en la nueva vida de sus materiales.

Gracias al ánimo y a la ayuda de amigos en Madrid y en Bilbao, al apoyo de colectivos entre otros como Basurama y asociaciones culturales como Taller del Soho, que lo han difundido y al impulso que supone esto como un “no perezco, me convierto y además me comparto”, la propuesta va sobre ruedas ¡y estamos encantadas!

Volveré con analepsis para contarlo desde atrás pero de momento, aquí os dejo esto:

lo regalamos todo, en bilbao, en el palacio ibaigane, te damos bio-tech-tastic

aquel “pequeño monstruo”, pensado, soñado, amado y materializado con la ayuda de muchas manos y cabezas que nos apoyaron, finaliza su vida.

el pequeño jardín – laboratorio propuesto para el concurso BilbaoJardín’09 que invitaba a un recorrido entre fragmentos y paisajes “capturados” para evocar una evolución y sugerir una historia a través de la práctica espacial.
¿el concepto,…. o el pretexto?
una experiencia, y esa historia que se construye a partir de la memoria.

se contó y se mostró, durante dos meses; tras la bella y efímera vida el fin ahora es otro fin, el de seguir el ciclo y “esa evolución” a través de un proceso ecológico, sostenible y muy romántico: el desarme, la transformación de sus ingredientes y su reutilización.

¿y qué desmantelamos? todo; se desarma y se desaLma…
¡mirad “lista de fetiches” en estos flyers!

las telas que encierran, los paneles de metacrilato de color, las placas de celdas Atlantis, los perfiles de acero y los tubos plásticos y metálicos, la grava, el pavimento de plástico reciclado y el césped artificial, las trepadoras, la vegetación de planta autóctona y exótica, es decir, el jardín y su esqueleto.
de ello, el andamio estructural se devuelve y el resto se recicla para el público; seguro que el Ayuntamiento de Bilbao haría un estupendo uso de todas las piezas tras el desmantelamiento, pero nos resulta mucho más atractiva la idea de que el uso se lo deis vosotros.

aceptando esta entropía, y quizás alguna pérdida de la memoria y el fetichismo, se hace un llamamiento a todo aquel que alegremente desee un panel, un retal, una escultura o un perfil, una planta o una red,… etc.., en definitiva, un pedacito de nuestra instalación que seguirá viajando en vuestras manos,… y en nuestro corazón.

y si no hallas lo que buscas o se agota lo que esperas, te indicamos más jardines pues lo que empieza aquí será una acción más global.

¡desmontamos bio-tech-tastic como clausura de un fase, de un ciclo vital y por qué no, para celebrar la belleza de lo efímero!

¡mil gracias por participar en la desintegración... y en la recuperación!

primavera sound '09 en múltiplos de treSSS

2009-06-05T21:42:00.033-06:00

primavera sound '09
primavera sound '09

Llevo tres días bajo la nube de resaca y añoranza añorada que se va entre tanto trajín cotidiano....Y vuelve cuando hurgo un poco entre las crónicas, vídeos y entrevistas en webs, foros y blogs,... es lo único que puedo hacer para no dejar atrás este ps'o9, eso o vomitarlo aquí.
Aún a tiempo y antes de que se desvanezca esta efervescencia sonora y el aturdimiento me lleve a la desidia por fatiga y por nostalgia, intento un resumen o más bien conato de crónica. Está resultando muy duro recapitular todo-todos... uff, pero esos fogonazos incesantes... y la ensalada mental... allá va:

En un festival donde es, no necesario, ¡vital! hacerse un croquis para no lamentar después grandes olvidos catastróficos, se imponen los sacrificios ¡y enormes!
Mi ingenuo propósito al principio era picotear de acá y de allí salvando a los intocables cuyas citas grabé en mi memoria para no perderme… y casi lo consigo pero si algo me queda claro es que no acabo de “entrar” en un concierto pasando de puntillas y en fragmentos, _ eso o es que soy muy pesadita _,...ni de congeniar con los festivales, circos, romerías.

Cierro los ojos y pienso sin más: un, dos, tres, ya!, y aparecen estos...
...y como me resulta imposible ordenarlos así, en un ranking de mayor a menor, _son muchos los grupos y muchos los parámetros, situaciones, momentos idóneos o no y mil cosas más como para dar un número a cada uno y ya; no, disculpen..._, hago un esquema matricial de lo que vi según mis mapas y recetas cual lluvia-sopa de letras en el que lo más favorecido quedaría más cerca de la esquina superior izquierda y con mayor tamaño de fuente... (¡huy!, pero si se dirige a oneida, ante este percal más de uno me va a matar...)

Esto debe de ser la secuela por escalofríos cuando escucho “Live Into Theme” a todo volumen,... y entonces entiendo la impresión de ver a Spectrum a través del 3..
...por la alegría de recordar la frescura y la belleza del directo de Deerhunter al dar saltos, hoy y de nuevo en mi casa, con “Nothing Ever Happened”..
...por la emoción que me invade cuando suena “You Can Have It All” de aquel disco de Yo La Tengo de nombre impronunciable... y lo indescriptible ¡dios! de verles tocar “Blue Line Swinger”... ¡sí, sí, síí!
...por la palabra escondida y eternamente repetida en "Sheets of Easter" por Oneida en directo... muy, muy fuerte.
...por las no-palabras del efecto de holocausto “You Made Me Realise” entre paredes,
con cariño y siempre,
mbv

me recupero y continuo.

...

aunque entiendo que la cartografía dé un poco igual y lo esperado sean las crónicas...
pues en breve, que esto es una intro para atraer la atención, ¿o no se nota?
tres por doce igual treinta y seis horas de música non-stop... a sintetizar y ¡a positivar!

por cierto, hoy es el Día Mundial del Medio Ambiente,
y hace 111 años nació un poeta.
..fue 5 de junio.

MoHa! y el hierro entre otros miles de objetos

2009-05-09T21:32:00.029-06:00

Es ya una manía esto de relacionarlo todo, más cuando el grado de susceptibilidad depende de experiencias intensas y recientes. En mi caso lo vivido hace poco (y de lo que hablaré pasado un mínimo tiempo de distanciamiento). Eso mismo me hizo desconectar de otras cosas con las que empecé a conectar… ¡ayer mismo literalmente!

Más música y menos acero. ¿Toma de contacto, conexión o descarga eléctrica? Directa al sonido en directo de la industria y de las máquinas. Si sólo 17 días de ausencia podrían despistarme lo compensé con el ruidismo descarnado de MoHa!

imagen recogida del blog del magazine musical Ciutat Podrida: http://ciutatpodrida.blogspot.com/

Después de Surfa para tranquilizar antes de una probable taquicardia, la gruta de El Perro se apagó.
_ ¡Qué miedo…!_ dijo alguien. Tintineo y fogonazos que dejaron ver la parafernalia del impresionante backline de este par de noruegos.
Y empieza MoHa! su discurso…

Diálogo en sacudidas, golpes de Morten que responden a gestos de cuerda y teclados de Anders. Composición algorítmica y líneas de código en programaciones de SuperCollider 3. Secuenciadores entre una batalla de espasmos. Baterías matemáticas. Y una puesta en escena “brillante”, nunca vi El Perro como el agujero más alucinante de la ciudad.

Con lámparas y pantallas, amplis y micros encajados en las fuentes de sonido, ambos conectados al ordenador, a golpes nos destrozan el corazón. Y de pronto, la suavidad de la aguja sobre el plástico acabado. Es el inciso y la tregua para coger aire.
Teclados como martillos de goma en "Home Four" y de nuevo descarga metálica sin bombo a un volumen de acústica incrementada.

Luces a lo Squarepusher (ni Justice con su cruz!), Battles sin melodías ni analógicos, John Zorn sin saxo, Autechre desmedido.
No tan rock como Lightning Bolt, _ aunque lo gana un poco más en este último disco "One-Way Ticket To Candyland" (Rune Grammofon, 2008) sobre el jazzístico "Norwegianism" (Rune Grammofon 2007) _, ni tan punk como Naked City.
Ambos formaron parte del grupo experimental noruego Morthana y del más conocido Ultralyd. Ahora en dúo son MoHa!

¿Y lo que hacen...?
¿”Música concreta” como se dijo en BBC?, sí en cuanto a que no dejan de existir los objetos sonoros reales (o ruidos concretos) si a ellos nos referimos con los producidos por la batería de Morten J. Olsen y la guitarra de Anders Hana entre otros ruidos pregrabados, y en cuanto a que, hoy, la música concreta apenas es analógica. Y por todo ello la música de MoHa! es electrónica. O simplemente noise, ¿simplemente?... cabrían diez mil términos imaginativos.

Lo dejamos en música acusmática, por desconocimiento de la causa que produce el sonido que escuchamos,... y por seguir con los términos sencillitos.

¿Improvisación?... uff, me temo que es muchísimo más preciso y calculado que algo tan espontáneo como la improvisación. Es en la polirritmia y el contrapunto donde deja verse la influencia free jazz. El ritmo a base de impulsos en un mundo sin jerarquías tonales. ¿Serialismo?
...ni sé cómo pero recordándome al de aquellas series complejas, no en secuencia numérica, mezcladas y estructuradas de Karlheinz Stockhausen… Increíble donde me va llevando todo esto,… hasta el sonido de los helicópteros que sintonizaban con su cuarteto de cuerda!

Disculpad la desviación, lo dije al empezar y hoy me da todo vueltas, el que avisa no es traidor,… pensé hasta en Artaud.

Lo de ayer fue otra experiencia física del sonido, casi masticable. Quién dijo llegar a la práctica sensorial, sentimiento o pensamiento a través del esfuerzo y la provocación de un estado físico. Eso hace MoHa! Temblar y hacerte temblar.

Luz y medios inmediatos para la sugestión. Búsqueda de las vibraciones sonoras y de las cualidades del ruido para actuar directamente sobre la sensibilidad. Inducir al trance.
…Actuar sobre la sensibilidad, como pretendía Antonin Artaud con el gesto y su lenguaje inventado donde antepone el sonido a la palabra:
Todo verdadero sentimiento es en realidad intraducible. Expresarlo es traicionarlo. Pero traducirlo es disimularlo. La expresión verdadera oculta lo que manifiesta. […] crea un vacío en el pensamiento. Todo sentimiento poderoso produce en nosotros la idea de vacío. Y el lenguaje claro que impide ese vacío impide así mismo la aparición de la poesía en el pensamiento. Por eso una imagen, una alegoría, una figura que ocultan lo que quisieran revelar significan más para el espíritu que las claridades de los análisis de la palabra.
[…]
No creo que podamos revitalizar el mundo en que vivimos, y sería inútil aferrarse a él; pero propongo algo que nos saque de este marasmo, en vez de seguir quejándonos del marasmo, del aburrimiento, la inercia y la estupidez de todo.

Antonin Artaud, Le téâtre et son double, 1938, Éditions Gallimard.
(trad.: El teatro y su doble, 1978, Edhasa)

Y ante el efecto destructivo,… así quedé al salir del antro, baldada en menos de cuarenta minutos. Toda una revolución en Madrid.
¡Gracias Giradiscos!

Yo me voy ahora a Eibar y ellos, como no, hoy ¡estaban en Bilbao!

…………. quizás haya un hueco para una futura imagen ¿quién hizo fotos de la pequeña locura? ………….

Bio-Tech-Tastic en Bilbaojardín’09

2009-04-17T00:54:00.014-06:00

Sumidas entre flores y andamios.

A punto de que empiece el final de esta aventura, por fin encuentro este instante para avisar, explicarme y persuadiros a que vengáis.

No estaría bien irme a Bilbao sin hablar.
No desaparecí sin más. Pero estos dos últimos meses un jardín me devoró.
Un plazo justo, perfecto y ¡record! para hacer las cosas bien… si estás en ello en cuerpo y alma.

Ocurrió en diciembre, una idea divertida, conexión, rabia y muchas ganas de cambiar… Y una buena excusa para escapar. Riesgo y crisis. Espero a la suerte. Abajo esta rutina y la ciega comodidad de la inercia. Cruzo los dedos, cierro los ojos y pienso en ello.
Algo dije en este blog: Cambios, tiempos de permuta, alegría y asociación de geometrías espléndidas…
Caos y resistencia a la desidia, tras muchos quebraderos de cabeza. (Y ya me estoy yendo por las ramas…)
En definitiva, esto fue un detonador. Y se activa así:…

Ideas para un concurso internacional.
Tardes con Katy, en su casa buscando las minas de allá entre arqueología industrial. Pensando en líneas de baldes y en Louise Bourgeois, en acero, en escarabajos, en líquenes y musgos. Tilansias para colgar. Helechos en el suelo y claveles de aire por el techo, ¿quién fue el primero en llegar, el más raro y primitivo? Selaginella, plantas vasculares de hace más de 400 millones de años serán nuestras praderas…
Después los inventos y el laboratorio hasta que un día el plástico nos invadió. Belleza sintética al poder. ¿Cuánto queremos capturar? En cajas guardaremos una historia.

Investigar y divagar. Después de un tiempo flipando y garabateando tubos, cubos, arañas,… en cinco días se resolvió. Los últimos cinco días del año para apurar. Y aquello tan rocambolesco y aún creíble sobre el papel fue tomando forma cuando dieron su “sí”… ¡sí!!
Desde entonces y hasta ahora todo fue su producción. Ajustes, lógica y… diversas persecuciones… (¡que dieron fruto incluso en tiempos de crisis!)
Y en esto, cambiamos las cajas por los andamios.
Un día nos fuimos a Vizcaya a indagar y en lugar de planta encontramos “otros” cultivos hidropónicos, ¡justo lo que necesitábamos! y cambiamos el agua por la fibra de coco.
Pero no los tubos, nunca abandonamos la idea porque esa imagen se fijó, creció y lo llamamos Tech.
Y esto, por ejemplo, es lo que ha salido desde los tubos de saneamiento de pvc, ¡obra de Jaime!

Cosas como el árbol son ejemplos de lo que se ha estado gestando…
…hasta el punto en el que hemos acabado llamándolo “pequeño monstruo”.

La instalación, el jardín ¡o la cosa! que empezamos a construir ya, desde mañana.
Me marcho dentro de un rato y nos vemos allí,… montando hasta el día 28 de abril y visitándolo hasta el 2 de julio.
...y aquí, contándoos más cosas de esta odisea.

otras raras y australianas

La referencia, aquí:
http://www.bilbaojardin.com/castella.html

Mirada retrospectiva. Nueva York en mí después de un año

2009-04-01T21:44:00.022-06:00

En este lado del océano anochece y en mi isla preferida aún no es tarde.

Es inevitable, será la lluvia y la añoranza que se celebra tanto estos días junto a otras muestras, iconos y exposiciones de retratos entre nostalgia urbanita… y el hecho de que hace justo un año aterrizaba en Madrid.

Este podría ser uno de esos otros días en el que retomo los cuentos y regreso a esa ciudad que me fascina. Inmersión en la sombra, una fotografía, algunas notas y recuerdos de hace un año; vuelvo a Nueva York con la mente ausente y la imaginación.

La ciudad te perturba, primero te desconcierta y después te hace suyo. Crees desvelarla mas es solo la punta de un iceberg, lo irresistiblemente desconocido…

Recorro el mercadillo de arte en Union Square y ya siento la tentación de llevarme un pedacito de la ciudad. Desde el Flatiron hacia el norte localizo historias y con la mirada quedarán en mi cámara mental para siempre:
La cinta de papel sobre la que Jack Kerouac escribió su On the Road, al salir de una exposición que concluye en la New York Public Library donde lo vimos.
Manifestación contra el mal trato de animales frente al lujoso establecimiento de Fendi.
Brillo en cristales, cámaras cenitales, cafés con tapa en las manos, vergel en alcorques, árboles de placas ortogonales. Jóvenes, en las calles, todos, siempre jóvenes,… bellezas radiantes. Me enamoro en cada esquina, en cada cruce, en un café, en un concierto, en el descansillo junto al ascensor, en el bordillo de una obra y en el andén del metro. Me cruzo con ellos y con ellas, retengo su mirada unos segundos, se toman un tiempo y percibo el contacto a través de esa mirada, el contacto enorme de sus ojos. Me conmueve la atención ¿o me inquieta?... ¿Es únicamente visual?, un juego de persuasión y curiosidad.

Me detengo y contemplo el final invisible de la avenida, un punto perdido entre muros. La tira erguida verde y azul del fondo rasga la imagen urbana del corredor. Otra instantánea mental.
El sonido de las voces anónimas, los cláxones y las excavadoras se engulle en una ráfaga que por allí se filtra.

El paseo sobre esta línea termina cuando te atrapa la experiencia vital: Central Park es más que un parque en el sentido de su habitabilidad. Belleza de ciento cincuenta años. Experiencia del vacío en el corazón de la ciudad. Caminar solo y vivir en el centro urbano.
“Una vez estás en el centro de Central Park, los edificios que lo bordean son una especie de perfil; es maravilloso.” Peter Smithson

Pero esta vez…

...no estuvimos tan solos…

Otro camino sin rumbo: deambulo desde West Village hasta la zona de Greenwich Village pero no encuentro los jardines domésticos que busco, aquellos algo experimentales que los vecinos construyeron en los patios traseros de sus casas.

Desde este barrio y accediendo por Barrow St. alcanzo la zona portuaria oeste de Manhattan: Piers at West St., son los muelles que salen a Hudson River que están siendo rehabilitados como espacios verdes…
… llegando allí lo que visitas son las obras,…y el resultado de esa fiebre “captúralo-todo” sobre alcorques, bordillos y adoquines fue esta:

Y en frente, Hoboken, New Jersey… y me imagino si andará ensayando por ahí un grupo que Yo me sé....

Bajando por Hudson St se alcanza el Soho y desde allí Little Italy y Chinatown.
Caldo concentrado de olores a incienso y especias, otros colores. La altura edificada disminuye y la escala del paisaje lo hace asequible. De nuevo tengo la sensación de estar en un barrio de Londres… por un momento incluso, no sé por qué, recordé las calles de un barrio en Tel Aviv, la zona del mercado junto al puerto y a la vuelta de la esquina, las galerías y la escuela de danza. Sobre los gigantes del fondo, las casas parecen diminutas. Fachadas, letreros, puertas y ventanas, y miles de colores para escaleras de incendio.

Salto nocturno y subterráneo desde una pequeña escala al hervidero colosal de Times Square. Cintas, gritos de viento, estrellas, chocolate y neón.

Esto no queda así.....

El pintoresquismo de Darren Hayman

2009-02-19T02:54:00.018-05:00

Ojalá aquí, las de hoy, fuesen como aquellas ciudades en Inglaterra, construidas después de la Segunda Guerra Mundial.
Al menos algo romántico nos quedaría de aquel funcionalismo, al menos un recuerdo lecorbusiano y al fin bueno, o incluso, más de un sonido podría inspirarnos.
Como los que llevan a Darren Hayman a hacer folk, los sonidos de sus pequeñas ciudades artificiales, aquellas que fueron reconstruidas y ordenadas por el Gobierno inglés bajo la ley The New Towns Act 1946. Las que abandonó cuando escapó a Londres y ahora nos describe en una ópera folk con ironía y cierta añoranza; ilusión por deseos ajenos de modernidad…

Guy Debord escribía en La Sociedad del Espectáculo: “’Nada ha pasado aquí nunca’, y nunca pasará nada” como divisa de las “nuevas ciudades”, las construidas sin historia, y en ruptura con el tiempo. Banalización, apatía fabricada y aislamiento.
Sobre estos lugares y sus antihéroes nos habla Darren Hayman en Pram Town (Acuarela, 2009), su último y tercer disco en solitario.

Si al frente de Hefner las canciones se convirtieron en himnos de la cotidianeidad ahora explora esos terrenos desde el intimismo y la reflexión. Las ciudades funcionalistas, las que “ama y odia”, como Harlow, _la localidad a la que va dirigido el título del álbum_, el orgullo y la decadencia, se retratan en las historias narradas por el inglés ¡situacionista! como pequeñas y agridulces tragicomedias en clave pop.

El folk que emana de sus letras: fábulas, personajes y otros peces; “revolución de vidas cotidianas”. ¿Desafío o frustración? Ahora recuerdo que voy intentando “construir” mi “situación”.

Cuentos del paisaje costumbrista y de otros pequeños lugares de vacaciones: los pueblos, las fábricas y los bloques que aíslan a los individuos en sus células familiares. Urbanismo sistemático y tremebundo para la apropiación totalitaria del espacio… y un control sobre la vida.

...y ya me voy por las ramas porque... este disco me pierde y me despierta; porque sin darme cuenta lo he ido comprendiendo… y sin quererlo intensamente acabé necesitándolo.

Hayman viene hoy a la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes para interpretarnos el sonido de aquellos suburbios, el folk. Nos visita acompañado por ‘The Secondary Modern', un grupo de músicos folk entre los cuales, esta vez, no encontraremos a sus compañeros de grabación del álbum (Ellis Island Sound, The Wave Pictures y Smile Down Upon Us).
Antes, sí será el polifacético cantautor Pepo Márquez como The Secret Society.

Y sin duda es Acuarela quien nos vuelve a seducir con tan exquisita propuesta.

Ampliación sobre mi reseña publicada en LeCool 19-25 feb bajo otra firma por error de la editorial.

Mogwai. El post-rock y la revolución de una revolución.

2009-02-09T02:08:00.039-05:00

¿Es injusto el caso que apenas se le hace a un grupo como Mogwai?
¿Fue "Young Team" la conquista que les condenó?

El hecho es que aquellos que allá por el 97 se fascinaron con el nuevo sonido de Glasgow, _ nuevo en cuanto que suponía una reinvención a todas las variantes surgidas del rock underground de principios de los noventa pero sin abandonar aquella heterodoxia musical _, hoy discrepan.

¿Es Mogwai un grupo que estancó su creatividad agotando su argumento en la repetición hasta la saciedad o resulta que probablemente su evolución expresiva se forje sobre esta fórmula para cobrar sentido en su hacer?

Cuando a comienzos de los noventa, el brit-pop emergió como reacción contra el grunge de Seattle e indie rock estadounidense apadrinado por los Pixies y Sonic Youth, “otro rock”, lo hacía desde el underground más clandestino como pura necesidad urgente: la de decir algo más, sin intención ni planteamiento.

Eclipsadas por el desparpajo y la frivolidad de una propuesta musical vacía que imperaba en Reino Unido, por un lado y por la trampa de lo llamado “independiente” _ la red y círculo vicioso de fama e influjo en el que cayó Nirvana sin pretenderlo (Kurt Cobain nunca lo quiso, todo hay que decirlo) _ que viajaba ya en grandes multinacionales en EE.UU., por el otro, nacían bandas con otra inquietud y un concepto diferente de hacer música.

David Broc escribía en Teen Spirit cómo el post-rock buscaba una ruptura y abrió nuevas perspectivas ante el peligro que corría la salud de la escena musical underground. Detrás de todo aquel protagonismo surgían “grupos con nombre y sin rostro” como una “propuesta alternativa a lo alternativo”. Sobre ideas y referentes y sin abandonar el rock exploraron y experimentaron en otros campos adaptando todo ello a su discurso. Y explica: Post-rock porque avanzaba más allá de las reglas, porque flirteaba con nuevos alicientes tecnológicos y porque renunciaba voluntariamente a las enseñanzas conocidas aceptadas del género.

Su mirada crítica hacia el rock independiente se establecía desde la actitud más hardcore y punk de Chicago (Slint, Shellac, June Of 44 (Rodan),…), incluso jazzística y krautrock (Tortoise), y en Inglaterra desde una actitud más pop y espacial, noise, dub y electro experimental (Hood, Laika, Stereolab,… y por supuesto, Bark Psychosis, primer grupo al que se le adjudicó la controvertida etiqueta).
No es mi intención liar con listas pero incluso, me dejo tantos... por no hablar del nuevo post-rock que surgiría poco después y ya a finales de los noventa fuera de estos circuitos, en Francia, Islandia y Canadá (no cabe en un solo post). Y en Escocia con Mogwai que es donde me detengo ahora.

Tuve la oportunidad de entrar en contacto con este “rock subterráneo” de EE.UU. muy a principios de los noventa por mi habilidad para rebuscar entre las cintas de metal y hardcore que mi hermano intercambiaba con amigos americanos. Mi curiosidad y admiración por sus movidas, _ su grupo y su afición por el skateboard _, me hicieron descubrir a estas bandas sin saber aún lo que significaba la palabra post-rock.

Entre las cintas de Pavement y Dinosaur JR. y todo lo grunge que aquí se escuchaba, aparecían Big Black y Slint. Entre tanto Nirvana y bombardeo de brit-pop nos quedaba este reducto inquietante y marginal.

Hoy sigo temblando cada vez que escucho su Spiderland (Touch And Go, 1991). Cada canción es una incógnita que desconcierta y te estremece.

La pista encontrada te llevaba a una asociación casi inevitable con lo escuchado desde Inglaterra: Spacemen 3, My Bloody Valentine y Bark Psychosis (¡¡otra de aquellas cintas bizarras!!) y así, con los amigos del sello Too Pure (Laika, Seefeel, Pram, Moonshake y Stereolab). Todos ellos deudores de los alemanes Neu! y Can.
Varios de estos grupos son los que reivindicaron también a los olvidados norteamericanos Silver Apples de finales de los 60 (antes ya lo hicieron Suicide y Einstürzende Neubauten, entre otros) cuyo reconocimiento por fin hacía justicia a su extraordinario legado, origen del space rock, el synth-pop y el post-rock.

No obstante y a pesar de la revolución que a finales de siglo ya casi sólo se asociaba al sonido de Chicago, brotan nombres que agitan y renuevan el post-rock desde otras partes del planeta. De nuevo sobre unos referentes claves, esta vez Rodan, Slint y, en el caso de Mogwai, Pink Floyd, Sonic Youth, My Bloody Valentine y el heavy metal de finales de los setenta.

Ante esto, parece que la razón de ser de este no-subgénero y la de sus bandas, y por tanto, la de Mogwai, fue-es una necesidad, casi involuntaria, de riesgo, aventura y rebeldía, una crítica fundamental contra lo establecido por el underground. Un sonido creado desde la emoción y el significado que, si bien puede explorar en nuevas expresiones, no podrá encontrar cambio en la radicalidad sin desaparecer.

Ahora bien, volviendo a las primeras preguntas y al disentimiento, según algunos de aquellos fans de Young Team _ quizás su escucha se limite a modas y tendencias_ parece que Mogwai tendrá que “evolucionar” para sobrevivir. ¿O quizás no?
Quizás un grupo con una identidad tan personal y transgresora construya su propio lenguaje en este discurso estable de repetición que avanza sin ser del todo digerido. Quizás un cambio en su particular sonido supondría una reconversión en algo que no es Mogwai. Quizás sea necesario e imprescindible verles en directo para comprobarlo.

No olvido su, para mí, primer directo, flipando con “Mogwai Fear Satan”, hace más de diez años. Igualmente con “Ithica 27 f 9” o “Helicón 1”.

Si me remonto a la impresionante “Stereodee” (¡más de 13 minutos de tensión!) de uno de sus primeros EPs, 4 Satin (Chemikal Underground, 1997), que ya anunciaba el sonido que tendría su posterior Come On Die Young (Chemikal Underground, 1999), no tengo palabras para explicar qué experiencia supone escuchar este tema en directo,….uff! (Lisboa, marzo de 2004)
¿Quién no ha escuchado “Xmas Steps” o “Rage: Man” de EP + 6 (Chemikal Underground, 2001)? Razones que ya nos sobran para guardarles la oportunidad de escucha y atención en cada entrega.

Bien, yo escribo hoy esto aquí porque tenía esta espinita clavada.
Porque soy de aquellos otros, entonces fascinados con Ten Rapid y Young Team, que aún les presta atención y que todavía siente muchísimo perderse un concierto suyo, como el del viernes. Porque Mogwai nunca defraudan.
Así que ahora en silencio e inmersa en su ruido seguiré rememorando aquellos directos.

La ironía tras la controversia

No iba hacia ellos la controvertida etiqueta de post-rock que acuñó Simon Reynolds pero escucho esta palabra y regreso a “Mogwai Fear Satan”. Es inevitable asociar el término a Mogwai porque aquel Young Team (1997) _recién reeditado_ supuso una revolución al rock independiente, una expresión a través del ruido y los desarrollos infinitos contra los cánones del momento. Y porque marcó a toda una horda de seguidores que no han dejado de explotar su sonido ya popular. Con registros vocales y explorando nuevos terrenos a partir de Rock Action y Happy Songs For Happy People, en Mr Beast volvían al sonido áspero y afilado de antaño. The Hawk Is Howling (2008) es otro giro de tuerca que nos traen los escoceses en esta gira. El directo está garantizado: calma, pulso y estallidos, maravillas de estruendo energético en el proceso y un adiós en distorsión; el último que se vaya que apague el motor.

mv.

(Publicado en LeCool 5-11 febrero)

Ajenos a toda esta discusión, cuando se les pregunta qué opinan ellos sobre el post-rock y sobre ser un grupo referente, contestan en su característico tono socarrón: _ “¡Eso es lo que haces cuando te tomas unas cervezas después del concierto!”_
(en una entrevista por David Saavedra)

Enero recupera el ritmo

2009-01-29T06:22:00.023-05:00

Enero y los conciertos (I)

…Y como todo corre, empiezo finalizando enero…

Cambios, tiempos de permuta, alegría y asociación de geometrías espléndidas…
(…aunque me perdí a Esplendor Geométrico, _ ¡con todo el dolor de mi alma!_ y no fue por Joe Crepúsculo, sino por idiota).

Evitando disgustos, anticipo joyitas inminentes ¡para las que aún hay tiempo!
Haré memoria y una lista de recuerdos, vale la pena. No sólo no actualizo sino que además os torturo en la nostalgia. Regresión (#) hacia atrás desde mañana 30-01.

Porque aún llego con aviso urgente a recordar un reencuentro insólito mañana:
Joe Lally en concierto.
No es Fugazi, _ aunque estaría listo y dispuesto a tocar con ellos ¡mañana mismo!_, pero fue/ es su bajista. La mitad de la mitad rítmica y fundamental de los creadores del Sonido Dischord, acuñando el Lo-Fi; y de otro de mis clásicos a los que les guardo auténtica devoción. Esta vez será el músico en solitario; templanza, intimismo e improvisación en su nuevo trabajo, “Nothing Is Underrated”, también del sello Dischord Records. Bien sea por el punk, por aquel extraño hardcore y las emociones fuertes, o bien por puro romanticismo, iremos a La Boite en busca de la experiencia mientras dure este hiato.

Hoy es inevitable. Yo lo recomendaba en primer lugar, a pesar de los grandes clásicos del día. Porque Carla Bozulich también es un clásico, y huelga decirlo sobre Sir Richard Bishop.
Ahora bien, visto lo visto y agotadas las entradas para The Stranglers y también para Josh Rouse (quizás, no me hagáis mucho caso) no sería mala idea cambiar los planes y venir esta noche a Moby Dick, para el consuelo con Evangelista y para la inmersión en un mundo sonoro y sombrío, como aquellos que pintaba Pieter Bruegel.

Si aún no os convencí os dejo la reseña que hice para Lecool y os tiento con el disfrute del muy probable "Pissing", de Low, interpretado por estos fantásticos, en la voz cruda de esta bestia.

Si no, pues mejor; mayor será el placer y la gracia de los elegidos que allí estemos.

Durante los conciertos saludaba al público gritando: _ ¡¡viajeros!! _ . Carla siente que llega el fin del mundo y cada actuación es un reencuentro con supervivientes. No hay excusas, no hay silencio opresor, tan solo “sonido y amor”, ¡punk rock!
Noche de liturgia con la Evangelista. Devota del dron, su religión se haría llamar góspel noise y su lucha, agonizante por ir más allá. Hace veinte años que no para de cambiar, de la improvisación a la interpretación del clásico Willie Nelson, desde Los Ángeles y aquel post-punk de los 80 al folk y rock experimental de los 90 en The Geraldine Fibbers. Ahora vuelve como poeta expresionista en un nuevo trabajo editado por Constellation con aliados de A Silver Mt. Zion y GYBE! Y de nuevo es Giradiscos quien nos trae a gente tan especial en tremendo cartel que abrirá el percusionista Ches Smith y el virtuosismo de Sir Richard Bishop.

Romper el hielo sin olvidar enero

2009-01-28T23:56:00.015-05:00

¡hOLa!

No quería estrenarme en 2009 sin importunar un poco en enero.
Dije que el primer mes del año me intimida pero debe de ser la ausencia y el hastío final; eso y mi timidez formulan lo justo para no darle una buena razón al blog,… por suerte (o por desgracia) esto lo pensé durante un lapso.

¿La coartada?,… un concurso, un pacman vital, vosotros y la nieve... aquí no hay quien se concentre; unos cuantos paisajes, labores y otras visitas, Sagitario y el paseo. Levemente y otra vez de vuelta. Espero no haber olvidado aún escribir (Dioooosss, cuando veo la última actualización…)
Pero qué os voy yo a contar de crisis… y catarsis… ¡que haya más, por favor!
El caso es que este enero mío no se parece a ninguno… y eso hay que celebrarlo, aunque sea estrenando la nave-09 con un post (uff,… y por poco se me escapa el mes).

Algo leí sobre "el blog que está vivo y merece la pena"… Lástima porque soy de aquellos que lee viejos posts, relee y rebusca en blogs y entradas de hace tiempo. No es sano abandonarlo pero tampoco tiene por qué ser incompatible con su calidad.
En fin, espero que esto no me condene a la blogger-tumba. Mea culpa por mi dispersión.
¡gracias por volver a entrar!

Enero no intimida pero ya se va,… y yo quería decir……………………

…………pues estas y otras cosas:

¡Hola! Stereolab

2008-11-22T13:10:00.027-05:00

Si no digo algo muero...
...aunque tan sólo sea un mini homenaje lo merece,
...aunque ya lo haya mencionado en Le cool,
vuelvo a Stereolab como reencontrando un antiguo amor, desde Peng! y Switched On hasta... no acabaría la lista!

Reciclaron el sonido de Neu!, Beach Boys y Velvet Underground y lo transformaron como visionarios en un pop experimental, pulido y misceláneo; universo sonoro de krautrock, space age pop de los 50 y bossa nova en farfisa y minimoogs. Aunque ellos digan _ “no somos un grupo de vanguardia”, ...“No somos compositores de canciones”_; aunque digan no hacer pop marxista pese a que su crítica sea feroz y preciosa y ambos (Tim Gane y Laetitia Sadier) admitan su influencia situacionista; bien, pues nadie lo ha hecho mejor que vosotros ¡científicos eclécticos de armonías lingüistas!
Eduardo Ponte lo describía perfectamente: Allí donde hayan podido sentir una obsesión musical enfermiza y la cosmología se haya demostrado lo suficientemente adecuada, han estado Stereolab.

Pasaron la prueba de fuego que suponía el directo de Dots and Loops (Duophonic, 1997), con más arreglos y producción jugando con sus amigos _ Mouse on Mars y aliados de Tortoise (John McEntire, incluso Douglas McCombs) _ sobre el sonido más básico anterior y así continuaron evocando en adelante… sin parar de… ¿sorprendernos? No es esto quizás, más bien es un no cesar de reinventarse en ideas, fuentes y referencias que nunca se agota, aunque diga que siempre es lo mismo quien nunca escucha sus discos.

A pesar del escepticismo generalizado últimamente, ahora y después de cuatro años desde su último álbum (entre singles, EPs y otras cajas), aquel hermoso y complejo Margerine Eclipse (Duophonic, 2004), Stereolab vuelve a reinventarse en Chemical Chords (4AD, 2008), a revolver entre los sonidos más frescos y pop de antaño con la espontaneidad que surgió a partir de unos loops de batería grabados y su inspiración en lo breve. A pesar de la controversia ¿emoción o elitismo intelectual?… bien, a estas alturas y después de tantos años lo mío se llama debilidad incondicional, y desde la más absoluta subjetividad he de decir que este disco es otra maravilla adictiva que reúne toda la química de su trayectoria (no hay más que ver su portada con todos los colores que nunca usaron juntos).

Y como en sus discos, grabados sin apenas ensayos, así se lo montan en las giras; poco antes se congregan, prueban e improvisan reconfigurando las canciones en nuevas versiones que traerán al directo… ¿cómo sonarán mañana?

De pronto, a última hora un cambio de sala… ¡mejor!, mucho mejor en el Sol que en la sala retro de la palmera donde les vi en octubre de 1999, _ en su gira de Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night _, con su hijito por ahí y con un cartel brutal: Gorky's Zygotic Mynci y Luna,... uff!
Septiembre de 2001 fue la última vez que los vimos aquí, presentando Sound-Dust y con Mary Hansen aún entre ellos, antes de su fallecimiento.

¿Cómo será el directo ahora? Diferente, no lo dudo pero hipnótico y arrollador. Un encuentro para presentar su último disco y deconstruirlo, con un mensaje: las leyes de Newton como realidad y la creatividad como alternativa para la libertad.
Así lo dice Laetitia Sadier en “Valley Hi!”: Le message est toujours le meme il faut observer les lois de la gravité

Lipsynch en nueve horas con Robert Lepage

2008-10-28T21:41:00.028-05:00

La voz y nueve personajes en busca de su identidad.

No suelo escribir con la urgencia que me falta para que este blog funcione mejor, hago lo que puedo y como quiero porque es mío, pero hoy me tomo la licencia de escribir sin pensar, no sin sentir.
Anteayer regresé de otro planeta; el mundo reinventado por un canadiense, el teatro asombroso de Robert Lepage.
No sé si es porque ya quedé tocada hace años cuando vi por primera vez uno de sus montajes y lo espero cada temporada, o porque tal sobredosis de fulgor y lucidez ha sido el mejor regalo en mucho tiempo, un regalo que me pesaría no haber compartido…
…y una experiencia absolutamente vital.

ada weber y jeremy (Viena - Londres)

Escenografía, silencio y la voz de una soprano, # Ada Weber,… me fascina y desconecto del mundo.

Sinfonía 3, de Henryk Mikolaj Górecki tras la ópera del prefacio. Interior de un avión y el llanto de un bebé. æ # Retrato entre siluetas.
La piel del cielo se proyecta detrás del aeroplano.
(Frankfurt – Montreal)
Górecki y Schumann

lupe (Frankfurt - Montreal)

ada (transición)

# La cantante de ópera vienesa habla inglés y adoptará a un niño.
(Viena – Londres)
# El neurocirujano de Hamburgo persuadido por la idea de una vida después de la muerte en contra de su juicio científico, aprende francés { }; Black Holes como sumideros de energía y de recuerdos.
El pequeño Jeremy anglosajón busca su raíz en Nicaragua, se entiende en español. æ
(Londres – San Francisco)
Explorar el cerebro en busca del habla. # { } “No hay amor sin alma.” #

Entrevista a una anciana logopeda, la pérdida de la memoria, la guerra y su dificultad para hablar.
El acento de un jefe de policía escocés y enamorado incapaz de hacerse comprender en Londres. (París – Glasgow)
El canario que vive y trabaja en Londres. (Madrid – Dublín) # # ∞ - - -
Radio, micrófonos y plató. Teléfonos y prostitución. Voz en off. - - - Y un tremendo giro de tuerca: un funeral en las islas en cuestión.

# { } Expresión gráfica de un canto en loops a través de la tecnología; la voz se duplica y se triplica en clones de un coro. El sonido se vuelve visual.
- - - ∞ # # El hermano que transforma su voz detrás de los spots para esconder su identidad. (Londres – Montreal)

Recuerdo de Billie Holiday: April in Paris de V. Duke y E. Y. Harburg interpretada en un club de jazz del Soho por una cantante con la memoria incompleta.
Anhelo por la voz olvidada de un padre, la voz sin palabras de la cantante de Montreal, las canciones sin letras, las palabras sin voz en los labios leídos. La imagen sobre la pantalla en silencio. # { } Su voz sobre su voz.

El amor de una madre.
(Nicaragua – Hamburgo)
Transmission, de Joy Division, y Debussy.
La trampa y la muerte.
Una niña viaja a Alemania y será madre, la verdad en una cinta.
El idilio, la farsa y la tragedia. Humor, sarcasmo y poesía.
La ópera y el cine. Soundscapes. Las películas dobladas; acentos, pasión y excentricismo. Multiplicidad en la tecnología del sonido como metáfora.
Foniatras, neurólogos y logopedas.
Políglotas y lost in translation.

Lipsynch = lip – synch = sincronización labial = fonomímica
Postsincronización
¿Playback o “doblaje”?
Mímica, lectura de labios y capas de sonido.

La voz humana como símbolo de la incomprensión entre las personas.
Imagen de un fresco con María y el Niño.

Nueve actos: Ada – Thomas – Sarah – Jeremy – Marie – Sebastian – Jackson – Michelle – Lupe
Cinco entreactos.
Cuatro idiomas.
Tres continentes y cuatro generaciones.
8 horas y 35 minutos de pura intensidad.

Es posible que aún queden entradas para los días 1 y 2 de noviembre en el Teatro de Madrid, en puerta. Incluso para la versión fragmentada en tres días, mañana: 29, 30 y 31 de octubre pero, sinceramente, recomiendo sin duda la versión íntegra.

¿Qué puedo hacer o decir para convenceros?
¿Cómo hacer que imaginéis lo que os perdéis?

Aviso, al menos me libro de esa culpa,…
…y la de la indiferencia.

thomas

maría

fotos de Érick Labbé, extraidas de la página oficial de la compañía Ex Machina
http://lacaserne.net/index2.php/

El deseo de andar-navegar paseando desde L’Atalante

2008-10-11T12:11:00.029-06:00

Rode sector. Constant, 1958

Tomo prestada la frase de un amigo “las experiencias que no se comparten, se acaban perdiendo”. Esto y la inquietud fue lo que me condujo a abrir este blog donde hablaría (trato de hablar) de música y más, solo que ese más escapa a su definición. Entre las ideas de exceso, aumento y preferencia que denota, me quedo con esta última: la preferencia por estos y otros fondos que inspiran, transitan y te introducen en nuevas honduras y territorios.

De una manera menos directa pero también a través de la música descubrí y me invitaron-incitaron para hablar no exactamente de música, en este otro espacio: el deseo de andar, al que ahora en transbordos os invito a pasear desde mi barco.

Sturm und Drang 5 Biennal Europea de Paisatge

2008-09-23T21:47:00.030-06:00

El monje frente al mar (1808-1810). Caspar David Friedrich (1774-1840)

La imagen no es todo lo pintoresca que yo quisiera pero es perfecta para expresar
Sturm und Drang, el movimiento filosófico y literario de finales del s.XVIII, iniciado por los primeros filósofos críticos del pensamiento kantiano (Hamman, Herder, Jacobi, Reinhold, Maimon, Beck y Schulze) y representado por los poetas Goethe y a Schiller.

El cuadro, El monje frente al mar de Caspar David Friedrich, en sus tres franjas de color: cielo, mar y tierra, es perfecto para expresar el origen del Romanticismo, porque muestra lo sublime, el tránsito al más allá a través de la contemplación hasta la máxima abstracción.
El movimiento que toma el nombre de un drama de Masimilian Klinger se traduce por Tormenta & ímpetu y se caracteriza por ser el inicio de un intento de “síntesis orgánico-religiosa de proporción cósmica” y por exaltar la naturaleza, la emotividad y la individualidad como fuerzas generadoras de valor y diferencia, por adoptar una concepción orgánica de la divinidad y de la naturaleza, lo que también simbolizan reflexión y creatividad.

Y éste es el marco en el que se encuadra la Bienal de Paisaje este año.
Un proceso en el que toman parte, primero, la identificación de una situación problemática, un marco que ya no sirve y que (inevitablemente) está obligado a cambiar. Una crisis (de modelos) inicia el proceso y por su significado activa una catarsis de renacimiento, pero aun más de optimismo, de vuelta a empezar.
Al romanticismo no se le puede definir de manera estática, ya que es, sobre todo un proceso vital, un concepto evolutivo. El romanticismo es cambiante, siempre está en constante evolución hacia la perfección.

Es el marco en el que, el día 26 de septiembre, expondrán sus puntos de vista y debatirán entre ellos:

Gilles Clément, paisajista y escritor.
Manuel de Solà- Morales, catedrático de urbanismo (DUOT, UPC).
Gilles Lipovetsky, sociólogo, escritor y profesor de filosofía en la Universidad de Grenoble.
Josep Ramoneda, periodista y director del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona.
Massimo Venturi Ferriolo, filósofo y profesor de estética en la Universidad Politécnica de Milán.
Marc Augé, antropólogo y escritor.
Georges Descombes, arquitecto y paisajista.
Javier Maderuelo, catedrático de arquitectura del paisaje en la Universidad de Alcalá de Henares.

La Biennal Europea de Paisatge se propone como lugar común de encuentro para la discusión y la muestra del paisaje en todos sus aspectos.
Desde su primera edición trata de profundizar y debatir la intervención en el paisaje, tanto desde la arquitectura del paisaje como desde otros campos disciplinarios que están vinculados con su estudio y evolución.
Tras cuatro ediciones en las que se ha consolidado a nivel europeo, “Rehacer paisajes” (1999), “Jardines insurgentes” (2001), “Sólo con naturaleza” (2003) y “Paisaje: un producto / una producción” (2006) esta vez, se invitará a un territorio no europeo para acercarnos a nuevas realidades paisajísticas del mundo: América del Norte.
Será el día 27 de septiembre dentro de la exposición “Reciprocities”, que examinará y reflexionará sobre los recientes concursos internacionales de paisaje que se han desarrollado en los últimos años en América del Norte y las obras construidas que son paradigma de la arquitectura del paisaje norteamericano contemporáneo.

Gary Hilderbrand, paisajista, codirector de Reed Hilderbrand.
Associates y profesor de la GSD, Universidad de Harvard.
Elizabeth K. Meyer, paisajista y profesora de la Universidad de
Virginia (UVA).
James Corner, paisajista, director de Field Operations y profesor de
la Universidad de Pennsylvania (pendiente de confirmación).
Perico Pastor, pintor y dibujante.

El simposio que comienza el 25 de septiembre con la presentación de las obras finalistas al Premio Europeo de Paisaje Rosa Barba, se llevará a cabo en tres días, durante los que se realizarán conferencias, presentaciones, mesas redondas y exposiciones en las que se podrá seguir y discutir sobre la evolución del paisajismo en Europa y América del Norte.

Vetsch Nipkow

la 5.ª Bienal Europea de Paisaje: “Tormenta & ímpetu” tendrá lugar los días 25, 26 y 27 de septiembre de 2008 en Barcelona. La Bienal está organizada por el Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC), la Universidad Politécnica de Cataluña (Máster de Arquitectura del Paisaje y la Asociación de Amigos de la UPC) y el Departamento de Política Territorial y Obras Públicas (Dirección General de Arquitectura y Paisaje) de la Generalitat de Cataluña.

Aquí os dejo un extracto de un capítulo de Los Cuadernos de Arquitectura del Paisaje sobre el recorrido de estos años por la Bienal , por Ángel Fernández de la Reguera. 11.03.06 (Barcelona):

La primera Bienal planteó la reflexión de Rehacer Paisajes, de hecho debido a la necesidad de dar respuesta a unas cuantas palabras clave que, según Meto, J. Vroom, empezaban por la idea de concienciación y acababan con la idea de la gestión, en un momento clave de revisión de nuestros planteamientos sobre el paisaje.

Para Marc Claramunt “el arquitecto del paisaje ha de ser un planificados del terreno; su función principal no es proteger la naturaleza en un trayecto principalmente ecológico... la ecología no nos interesa como una ciencia, sino como un método en un proyecto de planificación...”

Jordi Llort y Quim Sabaté mencionaban la connivencia entre paisaje, medio ambiente y urbanismo como última exigencia: “o el urbanismo se funde en la visión más medioambiental, y la proyección urbanística está más atenta a los valores del paisaje, o pronto no nos quedarán ni territorios ni recursos para proyectar”

El año 2001, en la segunda Bienal, el lema del simposio fue Jardines insurgentes, el jardín como el arquetipo vinculado al misterio de nuestros orígenes: El Paraíso terrenal como una pretensión majestuosa de reencontrar Hombres y Naturaleza, mito que aún reúne episodios de ciudad y territorio, universidad y campus, palacio y parque, casa y huerta. Y como paradoja, sistemáticamente el hombre destruye el Eden.

Gilles Clément, en su artículo el paisaje como un territorio de la mente, nos dice que “el jardín es el único espacio en que el hombre encuentra verdaderamente la naturaleza y donde se permite el sueño”.

La tercera Bienal eligió el lema Sólo con la Naturaleza desde la intuición de que esta frase reflejaba una parte muy importante de las preocupaciones actuales sobre el paisaje.

Allí estaremos entre el frenesí y la tempestad, entre tormenta e ímpetu volviendo con otros paisajes.

Aquel 15 Aniversario de Acuarela. APSE + XIU XIU + BRACKEN

2008-09-20T20:55:00.023-06:00

APSE

De nuevo volvía a ser la letra pequeña de un cartel lo primero que llamaba mi atención, aunque esta vez, tratándose del grupo de Coneccticut, afincado ahora en Massachusetts, no podíamos hablar de teloneros. Su paso por nuestro país en el 2006 presentando su Spirit (Acuarela, 2006) dejó huella.

Ahora regresaban interpretando algunos temas de este disco que acaban de reeditar en julio con ATP Recordings, y otros temas como “Whislist”, del nuevo proyecto Eras que saldrá este otoño. Breves e intensísimos dieron un concierto urgente en una sala casi vacía que fue llenándose al tiempo que descargaban los sonidos, la rabia y la pasión de canciones que debían terminar.

Todos los grupos deberían llevar dos baterías, junto con el bajo, creo que es el instrumento primordial en cuanto a su necesidad de rigor y precisión.
Sin mostrar el optimismo de Do Make Say Think que acaban sus discos con fuertes dosis de alegría y esperanza pero igualmente doblando baterías, APSE mantiene su drama sin perder la viveza.
De aquéllos y de Explosions In The Sky, rescatan las baterías, y de éstos y Mono, sus guitarras pesadas. Distorsión y efectos de guitarra, a veces ¡incluso cuatro!, fundidos con la percusión tribal y con las voces del cantante filtradas en loops.
El misticismo surge desde un encuentro entre ambientes extremadamente densos y melodías lejanas, contenidas, con las que retornan al shoegaze británico de Moonshake o de aquellos Spacemen 3. De hecho es una actitud distante la que muestran; sobrios y directos pero sin contacto visual con el público descargan sus canciones como tormentas. E igual que entran en escena se marchan sin decir palabra.

Esto es su show, nada más lejos de la realidad; basta comprobarlo hablando con ellos, ¿quién dijo antipatía en lugar de timidez?
No obstante, es el frenético Robert Toher entre micrófono y batería, sumido en el rito, el que no deja indiferente y nos transmite su delirio a través de la ansiedad de su voz… Johnny Rotten en un mundo de penumbras.
Sí, en realidad algo de PIL y por supuesto de Joy Division, encontramos en la música de APSE, ¡de nuevo Inglaterra!
Encuentro a APSE entre la firmeza arrolladora de los 65daysofstatic de “The Fall of Math” y el misterio psicotrópico de Deerhunter. Herederos del sonido americano de grupos como Slint o Sonic Youth, sin embargo, más bien su mirada apunta a Reino Unido (Radiohead, The Cure, Bark Psychosis,…).

Bien, por un lado parece inevitable escuchar a APSE sin que me lleguen tantas reminiscencias de bandas del post-rock de antaño, sin embargo descubro un sello muy personal en su hacer música. Calma y crescendos, propio de estos grupos pero en un tono muy particular de tremendo clímax. Giros súbitos entre quietud y estallidos. Transitan desde un post-punk agresivo e incendiario de baterías contundentes a un estilo que suscita la atmósfera más ensoñadora e hipnótica de Labradford.

El juego de temas entrelazados que nunca parecen terminar les sirve para evocar paisajes del fin del mundo, _como así describía Mono su música, por cierto_; aquellos paisajes que ilustran sus trabajos como imágenes entre el sueño y la naturaleza.

Averiguaremos más. Mientras, seguiremos sin perderles la pista desde aquí.

...Y a propósito de Nueva York, hoy mismo 20 de septiembre estarán tocando allí.

Se hace inevitable una actualización 22.09.08: me acaba de entrar el e-mail de mi gran amigo con el link de las fotos ATP New York [Saturday] en Pitchfork de APSE y demás conciertos de grupos de los que tanto hablo y no paro de escuchar últimamente... ¡¿pero es que se han puesto de acuerdo todos juntos?!!

XIU XIU

Raros, maravillosos, y expresionistas Xiu Xiu.
Disfruté más su directo en Nueva York pero el que dieron el sábado 24 de mayo en la sala Neu! me dejó igualmente fascinada. Quizás la fatiga o su aspecto afligido, quizás el bajón ante la sala medio vacía frente al sold out de aquel concierto en Brooklyn, es posible que entonces les viera con mejor ánimo.
Lo cierto es que no importa, porque hay algo muy asombroso en estos californianos de Oakland, y es su actitud tan natural, incluso sobria, tras la extravagancia de su música. Odiados o adorados, la voz incómoda de Jamie Stewart crispa y es clave en su sonido experimental.

El dúo que ahora se duplica con Devin Hoff en el bajo y con la increíble batería de Ches Smith se presenta rotundo y con más energía, esta vez con una percusión más escueta y el bajista sin el contrabajo electrónico, pero siempre con la instalación de caja y platos delante de Jamie.

Más que tocar, disparan las canciones. Las que llegan desde la locura y la tensión incesante como "In Lust You Can Hear The Axe Fall" o "No Friend Oh!" ¡que me hizo hasta bailar! y las no menos marcianas "I Do What I Want, When I Want" y "F.T.W." pero más amables, todas de su Women as Lovers (Acuarela, 2008). Intercalaron temas de otros de discos anteriores como “Save Me Save Me” o “Bishop, CA”, ambos del increíble The Air Force (5 Rue Christine, 2006).

Eclécticos y fabricantes de estructuras rotas y melodías descompuestas, en el sonido descarnado reside su idiosincrasia. Conciben el solape ocasional de fragmentos musicales como maravillosos accidentes armónicos que amplifican la intención emocional; en palabras de Jamie, lo que se transforma en algo más puro al estar fuera de tu control y no ser más que música.

El misterio que en el disco inquieta y perturba se vislumbra en su directo cuando se descubren los contrastes; la paradoja de una percusión enérgica, los ritmos bruscos y el delirio en la voz retenida-desmedida de Jamie.
Las canciones duelen y emocionan, los cambios de ritmo desalmados se te hincan como agujas, y en directo, insolentes y sin permiso, su caos armónico no descansa.
Anárquicos y sublimes, su anti-actuación nos dejó exhaustos y sin palabras.

BRACKEN

¿Qué pasó con Bracken? No es Hood pero inspira su mismo interés.

Sin bajista apareció sólo Chris Adams con un batería. Abandona las guitarras y se introduce en un terreno de estructuras experimentales entre el dub, los beats y los ambientes melancólicos y desoladores propios de Grouper.
La voz arrastrada y las programaciones del ex-Hood sugieren aquellas piezas tan etéreas como distantes. Pero tanto que esta vez no alcancé a contagiarme. Invadía y se difuminaba. El sonido que debía inundarnos no conseguía atrapar.
La ambigüedad nos llevó hasta el punto de no distinguir final, de desaparecer.

Es curioso que Bracken tocase junto a Xiu Xiu porque algo tiene que ver con ellos. Tristeza en fragmentos y estratos de un sonido sólido y armónico hasta la saturación pero mucho más contenido. Lo justo como para que el público desfallecido se perdiera después del ataque de los californianos quedando exhausto y casi inconsciente tras el atracón.

Conciertos y reminiscencias

2008-09-20T20:45:00.031-06:00

Noches en blanco

Después de una “noche en blanco” como la del año pasado, este año opté por no asomarme a la calle. Así que el sábado pasado mantuve esta intención hasta que de nuevo fui tentada por la música... y alguna que otra alegría.
Presentándose la posibilidad de ver a Matt Elliott tan cerca de mi casa, ni me lo pensé. Volví a verlo en directo por segunda vez en tan solo unos meses. Eso me hizo recordar algo que tenía escrito e inédito, podría decirse, como una espinita.

Me vais a disculpar el desfase pero esto, visto, escrito y pendiente, lo publico porque me apetece... y además me lo debía.

Recuerdos y melodías de Nueva York (1)

Querido Williamsburg

Los días estivales aquí se hacen inmensamente breves; el mundo desaparece y uno se aísla, entre canción y pensamiento. Entonces, recupero...
Aquello... que vi en Nueva York y otras maravillas, parece que llegaron a mi ciudad para volver a sorprenderme, recordarme lo que disfruté y trasladarme a otros buenos momentos.

A algunos, como Fuck Buttons, Xiu Xiu o Caribou, los alcancé comenzando una gira por allí, exactamente en Williamsburg, Brooklyn, NY, que luego rebotó y continuó en nuestro país: Fuck Buttons tocaron el pasado 30 de mayo en el Primavera y a Caribou...¡mil veces pudimos verlos! Después de coincidir en el mismo festival, en junio pasaron por Madrid y tocaron en el MNCARS, dentro del ciclo de música experimental y de vanguardia “Corriente Continua”, y a continuación fueron a Sevilla para tocar en el festival Territorios. Tres veces más volvieron a la península, presentando su “Andorra” y despidiéndonos en su gira desde el Razmataz de Barcelona una vez paseado por la Expo de Zaragoza.

Los juguetes de Fuck Buttons

Eclipses y elipses de Caribou

Xiu Xiu, catarsis de ironía

Con Xiu Xiu asistí al cierre de su ciclo antes de su gira estival. Su tour iniciado en NY por esas fechas, donde tuve la oportunidad de verlos, terminó en Madrid el 24 de mayo, dentro de una propuesta grande y arriesgada que organizó la gente del sello Acuarela Discos para celebrar su 15 Aniversario.
Pequeño gran cartel, diría, por lo familiar además de internacional de la organización y por lo genial de su programación en nivel y calidad, ejemplo que siguió en el Tanned Tin veraniego y que continúa en su próxima edición de invierno.

Trío de conciertos, en un curioso orden, que conmemoraba el cumpleaños para la primera noche: APSE + XIU XIU + BRACKEN.
Y si el sábado se esperaba mayor aforo en la Neu!, _ quién iba a imaginar que cierto espécimen provocaría en decadenteurovisión la expectación hasta el punto de afectar en el aforo _, al día siguiente 25 de mayo la sala se adecuó a un ambiente intimista, más sereno y dominical. Se agradecía para disfrutar de los conciertos de MI AND L’AU + THE CLIENTELE + MATT ELLIOTT

Acudí a la cita de ambos días y puedo decir que este preludio (para mí que me perdí el Primavera) de festivales y conciertos puso el listón muy alto.
Así que a propósito de Matt Elliot y de las "noches en blanco", aquí rememoro dos de los conciertos de aquel 15 Aniversario.

EL VINTAGE DE AU REVOIR SIMONE EN LA BALLENA

2008-08-14T20:31:00.042-06:00

concierto en Moby Dick - 7 de agosto 2008

Justo a estas horas hace una semana, el pasado jueves 7 de agosto, me encontraba en Moby Dick viendo a las de Brooklyn. A propósito del concierto de Au Revoir Simone, este lunes se publicó la crónica que hice para Indyrock.

Por un lado, ahí queda el bolo y por el otro, aquí está la historia y los cuentos.

Érase una vez tres amigas a las que un día se les ocurrió hacer algo para pasarlo bien.
En un viaje en tren desde Vermont a New York, Erika Forster y Annie Hart, _amigas desde hacía tiempo, _ decidieron formar una banda únicamente con teclados, materializando su pasión en común por los sintes e invitando a su amiga cool Heather D’Angelo.

A pesar del error en su nota de prensa e infinitas reseñas que insisten en el romanticismo de un encuentro fortuito entre Annie y Erika en el tren, ellas están encantadas con esa especie de broma o de leyenda de “hermanas extraviadas” que se encuentran, se conocen y conectan. Y entre cuentos tenemos el que narra Erika para describir a Au Revoir Simone.

“Regresaban a la tierra encantada de Brooklyn donde les esperaba un enorme castillo vacío con un montón de desconocidos. Allí encontraron maravillosos instrumentos del pasado que debían limpiar y arreglar. Después comenzaron a tocar todos aquellos instrumentos y así montaron la gran fiesta de Brooklyn,....entonces la banda se formó....” Según Heather, ni a Hans Christian Andersen se le habría ocurrido escribir su historia.

Por supuesto, “en aquella fiesta no había gente invitada, sino unicornios, sólo unicornios”. Porque su música es, según Heather, “como los unicornios, ensoñada”: “dreamed” y las letras se inspiran en los recuerdos. O como dice Erika, porque cada vez que escuchan una canción, ven una imagen o piensan en una melodía, lo introducen en su “dream-crystal” para componer sus canciones y proyectarlas en todas las direcciones.

Las fans de Björk que estarían encantadas de telonear a Belle & Sebastian antes de una actuación de la islandesa, afirman que su concierto ideal se daría en un jardín salvaje donde la gente no se fuese ni parase de bailar. Un lugar poco accesible donde el público se guiase con luces.... porque su música es “como explorar un jardín secreto con linternas por la noche.”

Las canciones pueden surgir desde un paseo en bicicleta por Brooklyn, tan cinematográfico como el nombre del grupo. Au Revoir Simone, elegido como referencia a la primera película de Tim Burton, Pee-Wee’s Big Adventure (1985); el adiós entre dos personajes del film es el instante en el que se inspira.

(Información recogida en una entrevista de Sinnamon Records a Au Revoir Simone: http://www.youtube.com/user/SinnamonRecords

El director y productor Pete Ohs las distingue en su vídeo como: Heather, la “oscura”; Erika, la “alta” y Annie,... la “otra”, las chicas que tocan como media docena de teclados y escriben canciones que acaban en Grey’s Anatomy, concretamente, “Through the Backyards”. Al ser de NY es todo tan encantador que engancha; la sensación que dan es de ser The Virgin Suicides.
El ruido sin fin que adora y que le hace sentir...en paz. El ruido hipnótico.

Y mientras componen, hacen yoga o montan en bici, las chicas vintage lo pasan en grande con sus amigos de Brooklyn, Grizzly Bear, TV On The Radio, CYHSY,... o se van de gira y de fiesta con los de California, We Are Scientists, mientras ven Twin Peaks... o comen sándwiches en casa del director...
Y es que después de ilustrar con su música la lectura que hizo David Lynch durante la presentación de su libro “Catching the Big Fish”, éste se convirtió en fan de las hadas de Williamsburg para siempre....

Aquí tenéis el extracto de una entrevista al director en la que habla de Au Revoir Simone... Cómo lo dice y describe la música “fresca, nueva e inocente” con teclados de las tres amigas de Brooklyn; es muy cómico,...buenísimo!

(estas fotos y las publicadas en Indyrock son de Sara Navarro)

El FIB '08 desde el azimut Madrid-Benicàssim

2008-07-27T11:36:00.050-06:00

Retomo el rumbo y lo cuento desde mi nave L’Atalante

Hace casi una semana que volví del FIB Heineken y aún parece que sigo allí. Arrastro emoción y cansancio. Y la añoranza útil para escribir.
El choque con mi cotidianidad es brutal y eficaz (mi entretenido e intensísimo trabajo) pero el hecho de haber seguido escribiendo en el blog de la página de FIB Heineken durante estos días ayuda en resistirse a la desconexión. ¡Y no voy a desconectar!
Voy bajando del globo y retorno a esta nave, m’Atalante, que tenía algo abandonada.

Sorprende lo que en tan solo cuatro días podemos ver, experimentar y sentir. Ahora continúo digiriendo y repasando. No escribo aquí todo lo que fue; resumo y referencio con enlaces a la web.

Bitácora e historietas sobre la navegación

No volvía al FIB desde 2002. Venir en 2008 y vivir el festival como miembro del equipo de prensa ha estado genial. Y ha salido genial. Desde el meollo operador, las cosas no se ven de la misma forma.

Escribir sobre, ¿cómo enfocarlo?, música y otros avatares resultó ser un gran ejercicio de soltura y creatividad. Reconozco que algo desorientada al principio y con los nervios desde días antes, luego lo pasé en grande.
Las historietas se construían sobre la marcha. El material estaba ahí mismo, entre héroes, comediantes, música y celebridades, capitanes, marineros, duendes y recitales.
Incluso críticas de conciertos que no se cubrían, ¡encantada con ello! Era divertido escribir una crónica positiva de Sigur Rós rodeada por detractores de los duendes islandeses.

Nuestra Rosa de los vientos

Con un jueves tan grande como el de este año, la organización parece querer orientar el FIB hacia un festival de cuatro días en toda regla. Estaría bien completar un fibercartel como los cuatro puntos cardinales, siempre que no quede en detrimento un día como el sábado:

- Tampoco fue tan poco... (sobre el sábado)
- Más de aquello que se quedó en el tintero (sobre el viernes)
- Momentos dominicales forever & ever (sobre el domingo)

Disfruté muchos conciertos sin compañía y como Alicia en el país de las maravillas solo que despierta. Pero como decía nuestro querido polizón de prensa, Isaac, hubo algunos en los que habría deseado encontrar una cara amiga. Tuve el corazón en un puño durante todo el concierto de Leonard Cohen y esa intensidad me volvió a atrapar con Morente. Cierto, cierto, es una suerte única haber estado allí.

Sólo esto hizo del FIB 08 algo excepcional. En un cartel en el que empiezan a abundar grupos más hypes dominando la presencia británica (y no lo digo especialmente por la participación de Vince Power), se agradece el contraste por parte del folk y el country-pop americano o regalos como los dos monstruos de antes. Entiendo que mucho de lo que suelo escuchar en casa o en Madrid (¿quién dijo “grupos que hacen ruidacos”?, ja,ja) no encajen en un festival como éste, no obstante, bandas como The National, The Brian Jonestown Massacre, South San Gabriel o incluso Fujiya & Miyagi, enriquecen gratamente el cartel.

Es pura avaricia quejarse de lo que no se ha visto, pero me quedé con el gusanillo de ver, entre lo nacional, a The Marzipan Man, El Hijo y El Columpio Asesino. Y entre lo internacional sacrificado, Micah P. Hinson, Death Cab For Cutie, Yelle y Supermayer (¿os fijasteis?, todos en el domingo insuperable), y con todo el dolor de mi corazón, Spiritualized, aun compensadísimo por My Bloody Valentine.

Cosas del mar y de la playa

Y entre otras cosas no pude asistir (parece voluntario cuando en realidad no me quedaba otra) a las juergas narconáuticas que se montaban en El Barco (de Colegas), que aún hoy estará atracando en algún muelle de Ibiza. Así no se puede,... no se puede hacer una crónica del FIB sin la información naval completa.

Hablando de barcos y otras peculiaridades, éstas son algunas de las entradas al respecto:

- Efigies y otros contrastes
- Nos vemos después, en la post-guerra

Otra gran suerte ha sido coincidir con Sònia Ferragut, mi amiga paisajista ¡viva el paisajismo entre la música!, ¿es esto una señal?, lo veremos.
Su participación como artista en la intervención en la playa del Torreón organizada por el FIB-Art’08, nos dio, mejor dicho, me dio un juego inesperado.
Mis escarceos a las áreas prohibidas sólo han sido posibles gracias a su acreditación con la super "A" de artista.
Nos acompañaban los chicos del arte que deambulaban y alborotaban en piña por estas zonas metiéndose en las “cabinas de ssshilencio” para hacerse fotos obscenas.

Reflexión sobre el espacio desde el proyecto F.A.R. de Sònia Ferragut & Lisa Gràcia

Visiones náuticas desde barlovento

Sinopsis del FIB en unas cuantas retrospectivas cartográficas:

- Otras fiber-retrospectivas

Fin del periplo

En realidad la travesía aún no terminaba. Algunos hemos continuado navegando con más crónicas e historias, y si no que se lo pregunten a los de la web de Heineken y a todos los bloggeros que incluso desde el "Contempopranea" continúan maniobrando y debatiendo.

¡Óptimo!, trabajar junto a: David Saavedra y Carlos Barreiro, ahí quedan sus fabulosas crónicas a tiempo real y las chisposas misivas de Victor Lenore; ilustradas con tremendas fotos de Sara Navarro y Janite (Alejandro); David Rejano, con sus fotos velando por una imagen guapa del blog; y por supuesto, Mónica y Guille, coordinando y dándolo todo para que aquello saliera a la perfección.
Gracias a la gente de Okapi, a través de Heineken, he disfrutado de un FIB como nunca. Me han cuidado y me han tratado super bien, he currado, me he divertido y me he hinchado a ver conciertos,
¿Qué más se puede pedir en un FIB? Pues eso, que esto se repita mil veces más.

Y, con el permiso de Heineken, el post que clausura la bitácora lo transcribo aquí a continuación.

Amanece, que no es poco en el FIB Heineken 2008

El lunes 21 J, a mi entender, no hubo fiesta en la playa,... (¿cuestión de ruidos?) más bien mar adentro, y el que no lo pille que lea otro post. E intuyo que el fiestón del Barco no quedó en naufragio, como afirmé entonces desinformada y rectifiqué, sino que aún ha seguido navegando y festejándolo con alegría: http://www.myspace.com/shipofmates

Amanece, que no es poco en el FIB Heineken 2008 y el festi concluía un año más. Pero el FIB no se “va muriendo divinamente”. Ni se “apaga con parsimonia”. Lo hace tronando bajo las carpas con música insaciable y algunos adictos.
En el “backstage”, el famoseo español y aquellos que después de tocar en Madrid y/o Barcelona para el Summercase 08 se dieron una vuelta por aquí para acabar el domingo en el FIB. No, al menos yo, no vi estrellas resacosas a las que asaltar, seguro que otros sí.... pero esto se cuenta en otros sitios.
En la Pista Pop se hacía homenaje a los que tocaron (Hot Chip, The Ting Tings, Justice, The Kills,...). Y ahí seguían los fibers que aún no se rendían desde el baile o desde las praderas machacadas.

Tras los cuatro días de gozo, de festival y de batallas, la luz de la mañana y el día después invita a la reflexión. Y el fin de esta guerra fría festivalera nos pillaba por allí.
Llegamos como topos y volvemos como flores. Desde el genesis de Alfa (α) hasta el Omega (ω), hemos recorrido los mapas sonoros de gran parte del atlas musical y regresamos mustios a la happy house de nuestra realidad. Pero también felices, con alegranza y más espiritualizados. No estuvimos en el Chelsea Hotel pero lo pasamos bien.
Los astrólogos entendidos dicen que la fiebre del post-festival durará hasta el próximo evento (véase que yo sigo escribiendo), trataremos de amortiguarlo con un poco más de música.

“[...] You are a fever / You are a fiber / [...] Dancing on the legs of a new-born pony /
[...] I am a fever / I am a fiber / I ain't born typical /
[...] We are a fever / We are a fiber / We ain't born typical”

De prensa a escena, de foso a set y tiro porque me toca. Echaré de menos las fotos, los saltos, los flashes, entradas, salidas, descargas y otras piruetas de Sara, David y Janite; la chispa de Carlos y de David.S con su humor ácido para desayunar, cenar y nunca irte a dormir; el nervio, la inquietud y la templanza de Mónica y Guillermo; el esfuerzo y la paciencia de los chicos de sonido y de la web.
Echaré de menos escribir un post mientras Jason Pierce (Spiritualized) susurra en su entrevista detrás de mí y clava su mirada, ¡uf!; las cenitas en el set en plan delicatessen desde el “backstage”; las llamadas y mensajes a las tres, cerramos el cuartito y nos vamos al último concierto en el EV; las visitas y el sarcasmo de cierto polizón de prensa; la búsqueda desesperada de la foto para un post; el cartoncito-resumen colgado con los horarios de los conciertos; las pruebas de sonido a las cinco de la tarde en un recinto aún vacío y prohibido.
... pero no echaré de menos no dormir.

Lo siento, lo siento,... por mucho que os contemos con crónicas y con fotos, la magia del FIB nos la llevamos dentro y sólo estando aquí.
“We are a fever / We are a fibers...”

El cuarteto del sangriento San Valentín exclama:
“[...] / My heart is burning up, my head divide / But you control these feelings I can’t hide / [...] / Yeah, but you never should.......”

“[...] / Baby, you set my soul on fire / [...] / Baby, you never should say never/ ...” nos canta Spaceman desde el espacio.

Y Leo nos reclama “Hey, That’s No Way To Say Goodbye”,
pero no hay otra, nos vamos... sólo hasta dentro de unos meses y unos cuantos conciertos más.

Muchas takk por todo.
¡Hasta la vista fibers!

ROSVITA + DECAPANTE + BELVIS IN TOYLAND. Con clavos y con uñas

2008-07-13T13:33:00.027-06:00

Llegué a la calma de mi casa y creí que el timbre no saldría de mi cabeza hasta después de unos cuantos días. Volví a olvidar los tapones para mis oídos que por supuesto no se incluyen con la entrada del concierto. Ya me avisaron una vez (con Action Beat) y no escarmiento pero es que no concibo oír con algo en las orejas. Así que sufrí las descargas sin concesión, entretenimiento que, no obstante, buscaba deliberadamente el pasado martes 1 de julio. Me urgía acabar un día oportuno con sobredosis de energía en tres porciones:

belvis in toyland

La primera dosis se inyectó con ruidismo y psicodelia y los transmisores eran BELVIS IN TOYLAND (aka Thee Belvis Monroe, Black Belvis, Thee Belvis Underground, Belvins...; vistos sus conciertos, en breve la lista se hará interminable).

Suben y empiezan sin más florituras. Batería seca y algo monótona, clave para que se construya la melodía escondida entre bajo y distorsiones de guitarra. Melodía, sí; me retracto de lo dicho una vez, pues entonces los vi menos orgánicos en su debut, y ahora reconozco melodía, ¿o es armonía deconstructiva? Evolución o/y experimentación, lo cierto es que sólo acaban de arrancar y ya sorprenden. Últimamente, y si no me equivoco, presentando nuevas canciones.

Entre el amasijo de sonido se descubre un punto retro. Un poco The Velvet Underground (en “Optopress”), un poco Gong cuanto más espaciales, pero siempre con un discurso musical-instrumental antes que lírico. Feedback y repetición. Envueltos en el drone o a veces más shoegaze de sus mantras, nos sacan del limbo acústico y nos lanzan a un nuevo abismo auditivo de efectos y riffs más pesados. Densos y progresivos, ellos fueron los culpables de que en cierto momento deseáramos los dichosos tapones.
Nervio y, ahora, confianza y más personalidad; lo que comienzan como sus canciones acaban siendo jams. Es hora de que vayáis fijando un nombre, ¡Belvis, Belvins!

decapante

Con clavos y con uñas se divulgaba, casi “se advertía”, este cartel. Y sin embargo DECAPANTE, portador de la segunda píldora nocturna, resultaron estridentes más que sorprendentes.

Si el nombre suscita lo que supongo cuando pienso en lo corrosivo del producto, el grupo lo toma y lo adquiere en su música hasta el extremo de la desintegración,...raspa que te raspa… Ni elocuente, ni devastador por impactantes, sino más bien corrosivo por soporíferos.
Mixtura entre un intento de Shellac y los Sonic Youth pasados por una tediosa apisonadora. Enfrentados, de espaldas y sin mirar, los dos bajos arrancan como golpes; charles de batería y siguen golpecitos de cuerda interminable, monotonía infernal hasta el absurdo. Salgo del habitáculo comprimido y vuelvo a entrar como si llegase donde lo dejé cuando me fui. Alguien clama caña, pero ahí nadie ¡brama!

¿Quién dijo que escucharles es “como comer corteza sin bebida”?, pues sí, es posible, el efecto áspero de su carcoma debió de causarme la indigestión.
Devotos a su sonido pesado y macizo, ¡no lo dudo!, pero falta hallazgo, frescura e imaginación. ¿Seguirán cuales dólmenes estáticos y macizos en el horizonte de los escenarios?
En fin, es evidente que no hago mucha justicia a la expectación demostrada por su fiel público jubiloso, debe de ser que aún no les pillé el punto pero desde luego no creo que éste fuese su mejor concierto. Fatiga en… tanta gira, duramen y tanto concierto.

rosvita

Al contrario del, dejémoslo en cansancio, de los decapados, reaccioné al efecto del último fármaco, proporcionado por los cirujanos del sonido dislocado, ROSVITA, otro trío y compañeros de viaje.
Si bien no hace mucho que los conozco, desde entonces aún no he logrado perderme un concierto suyo. Seguirles la pista es cosa fácil pues lo suyo es no bajar del escenario, digamos que los directos les van casi como ensayos. Y es que desde que salieron de sus cuartos con sus babuchas, sus salchichas y demás fetiches para embarcarse en la travesía de los Balcanes, los chicos brámicos no han parado. Más tablas cuantos más conciertos, y más noise cuanto más mordaz.

Los acróbatas irrumpen en la escena almagre con los temas más histriónicos. Esta vez, en “El Perro Club”, nos quedamos sin el fabuloso intro-show de Nacho (batería). Canciones que ganan contundencia gracias al increíble bajo. La guitarra plástica y narrativa de antes va cediendo a una distorsión más libre y electrónica, porque el bajo ya se encargará de hacer las veces de aquélla.

Cacofonía de PVC y de hojalata. Sarcasmo y esperpento de lo cotidiano. Si Decapante corrompe el metal, Rosvita lo recicla y lo reutiliza como un residuo sónico más. La claridad del bajo y la guitarra en los cortes del disco se enmarañan en estos directos de intensidad y rapidez. Cada vez se me hacen más cortos los conciertos de Rosvita, ¿será que me acostumbro o es que están deseando acabar?
Precipitación auditiva y canciones entubadas. Palmas sobre teclas del piano o corazón de los ruidos, no veo los dedos más bien manos y golpes convulsivos contra el plástico.

Se va apreciando una retirada desde las cuerdas hacia un vuelco en los sintes, botones, demás cacharros y tecladinis, ¿lástima o regocijo?, depende. Abandono de letras crípticas con voz quebradiza y subterránea frente a las voces actuales diluidas y metálicas, las del micro en distorsión a lo Fuck Buttons, que en el concierto ni se oían. ¿Será que Manolo, alma y voz del grupo, anda inquieto en su parábola semántica?, ¿será por ello que no hay lugar en sus conciertos para un tema del enigmático Rosvita (Siete Hermanas, 2005)? Si búsqueda y reinvención suponen evolución y cambio, siendo egoístas desearemos el sacrificio.

Concentran su energía en directos rígidos y encapsulados. No faltaron, de su último Podrida Ser (¡Brama!, 2006), “Llévame a Caballito DF” o “Hoy No He Visto La Luz”. Y algunas de mis preferidas, “El Croquis” y “Próxima parada: …”, en directo con distorsiones de guitarra hasta la saturación, que no sería “…Quijada Quemada” sin su tremendo bajo. Ése que me recuerda tanto a Slint o a Rodan.
Hartos probablemente de que se les asocie a este sonido o al de Battles (asombroso parecido en el comienzo entre el “Snare Hangar” de éstos con “El Croquis” de Rosvita), distingo a Rosvita por su math-rock circense y particular. Juguetes y sentido del humor. Se ve que la gira les sienta bien. ¿Nos dibujaréis un nuevo mapa con”tentáculo groningés”?, aunque esta vez será cirílico o tirolés.

Clausura grotesca con trompeta, el sitio es pequeño pero Nacho lo intenta. Nos dan las buenas noches en un bis conmovedor con cuentos para no dormir y la gira europea se cierra en su noche estrella. Despedida y alboroto compulsivo.
Brame ahora o calle para siempre.
Siguen geniales, sigo pendiente.

El Día de la Música en Madrid

2008-07-09T16:47:00.022-06:00

Conciertos y solsticio de verano
Y llegó el Día de la Música; de nuevo y por segunda vez se celebró en varias ciudades del territorio organizándose conciertos, en su mayor parte gratuitos, para el día más largo del año. La propuesta de ‘indie’ nacional corrió a cargo de Heineken y Fundación Autor ofreciendo un abanico de carteles que ha hecho ardua la tarea de escoger concierto y ciudad: Madrid, Barcelona, Valencia y Santiago de Compostela. En mi caso estaba claro, Madrid pero incluso aquí, hubo que elegir a partir de cierta hora: continuar en la Explanada del Puente del Rey con El Guincho y con The Pinker Tones o acercarse hasta La Riviera, si eras el afortunado que ya se había hecho con entrada, para reencontrarte con la leyenda de Omega interpretada por Enrique Morente y Lagartija Nick.

Claro que, llegar tarde a un maratón de conciertos o un minifestival de este calibre es, directamente, perderse a los primeros. Y eso fue exactamente lo que me pasó a mí. Sin poder disfrutar de la actuación en acústico del australiano AARON THOMAS presentando su debut de aroma balcánico, ni el folk delicioso de RUSSIAN RED, alcancé los platos fuertes con TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO. No fallan, descargas eléctricas de melodía, punk y distorsión a lo The Jesus and Mary Chain. Tocaron los temas, sobre todo de su Triángulo de Amor Bizarro (Mushroom Pillow, 2007), con la dulce violencia que les personaliza y que nos trae a My Bloody Valentine en el shoegazing de cortes como “El Fantasma de la Transición”. La sorpresa del directo: los acordes en otra guitarra, la de Joaquín Pascual (Travolta, Mercromina, Surfin Bichos) con el que grabaron ese maravilloso tema y una razón más para recordarnos a Fernando Alfaro en sus voces y en sus descarnadas letras. Cerrando con “El crimen: Como ocurre y como remediarlo” volvió a confirmarse que su directo, con o sin problemillas técnicos, con o sin euforia, mejora en cada concierto llegando incluso a los que, como yo, no somos tan incondicionales de los gallegos.

A continuación, aún no entiendo por qué con letras más grandes, aparecieron THE SUNDAY DRIVERS, los chicos de Toledo y de mayor repercusión internacional (quizás sea ésta la razón). Correctos, sí, y muy profesionales en directo mas sin mucho nuevo que decir. Pegadizos, compactos y resultones aunque sin grandes emociones. Me quedo con la imperfección y la frescura de sus compañeros de sello. Y como concierto perfecto que se pretendía no podían faltar aquellos hits “On My Mind” de Little Heart Attacks (Mushroom Pillow, 2004) u otros más recientes “Do it” de su último álbum Tiny Telephone (Mushroom Pillow, 2007). Muermos e impecables; vacío amable.

Menos mal que vino EL GUINCHO (Pablo Díaz-Reixa) y el tono del festival dio un giro de tuerca con sus ritmos electrotropicales y su dub jamaicano a lo Animal Collective. Ya oscurecía cuando nos trajo sol, palmas y fiesta de color beachboyana.
Perfecta síntesis de mil géneros entre funk, soul, tropicalia y folclore experimental filtrado por el sampler y la percusión de su timbal. Pedacitos de canción que no acaban de terminar y beats!, compases recopilados y sampleados inspirados en las orquestas africanas hacia un fondo carnavalero de ecos canarios. Increíble su locura repetitiva a base de voces, loops y golpes tribales en “Costa Paraíso”, “Antillas” o en su tremendo “Palmitos Park”. ¡Panda Bear de aquí! La entrega que mostraba el que se fue a Barcelona desde Lanzarote nos contagió su energía desenfrenada explorando en el mundo faunístico de su Alegranza (Discoteca Océano, 2007). Sin duda, explosión multicolor de baile y alegría para los que quedamos hechizados.

Y estallido tras estallido, gran idea fue la de cerrar con THE PINKER TONES, tres mosqueteros de dibujos animados vestidos como detectives galácticos supermodernos. El dúo barcelonés, y casi universal, formado por Mr. Furia y Profesor Manso, en directo, la arma en compañía de su compinche DJ Niño. Chaquetas blancas para una entrada en escena y a la mesa de mezclas primero. Guitarra y bajo después, tocando de negro y con corbata. Pero esto era anecdótico y más visual en un espectáculo que más que un concierto fue una sesión. Por mucho rock del que hablen, más que a rock sonaba a electropop. Desde el Sonar llegaban estrenando el directo de su Wild Animals (PinkerLand Records, 2008) y reinventando en los mejores bootlegs sus propias canciones. Funk, jazz, lounge y bossa nova en un cóctel electro de remezclas donde el indie de Simian o Elastica se filtraron entre sus sonidos para divertirnos. Sarcasmo y desparpajo en su show kitsch y no tan sorprendente.

¿Música o industria? Un handicap con otros éxitos

2008-06-18T18:15:00.017-06:00

Lluvia de ideas, carteles y buenas propuestas nos llegan este verano entre concierto y concierto. Sin un fin de semana libre, apenas quedarán rincones del territorio que escapen a la fiebre festivalera. Aunque más bien se trate de un bombardeo de festivales y la batalla librada entre grandes perjudique a pequeños, lo cierto es que todos, a su manera y dentro de sus limitaciones, se atreven y apuestan por la calidad y la originalidad.

En vista de toda esta oferta estival y coincidiendo además con el día de la música el próximo sábado 21 de junio, resulta curioso e interesante el artículo publicado por Íñigo López Palacios en la web de EL PAÍS el pasado domingo: El pop español renace
Interesante porque plantea el giro de tuerca que ha sufrido la industria discográfica en la última década; con optimismo se observa cómo revierte en nuevas oportunidades lo que se avecinaba como una temida crisis (ver su otra reseña a raíz del disco en Internet de Radiohead).

No creo que hoy en día, todavía, comprar un disco sea una rareza. De hecho, se está revitalizando la cultura del vinilo y quizás ése sea otro filón al que de nuevo dedique la atención la industria, además de su labor como promotores de conciertos que ya se conoce. Quien ha comprado antes discos no va a dejar de hacerlo ahora.
En mi caso, parte de mi sueldo se va en discos y en entradas para conciertos (donde aún compro más discos al propio músico directamente),…”a pesar de” tener Internet. Me halaga pensar que uno es tan raro… pero lo dudo, creo que somos muchos los que gastamos en música porque nos gusta. Forma parte de casi un ritual lo que se disfruta, incluso con cierto fetichismo: perderse entre los vinilos de una tienda de discos, letras, portadas, reseñas, sellos, colaboraciones,…son muchas joyitas las que van en el interior de ese “recipiente” que ha llevado tanto tiempo y amor sacar a la luz.

Mercado hay. La industria discográfica es competente pero también cotidiana y familiar; basta fijarse en el trato que tienen algunos músicos con sus sellos, por ejemplo, Acuarela o Giradiscos. La industria se mantendrá pero no se forrará porque ahora esta industria comienza a llegar desde los propios músicos, desde los pequeños colectivos comprometidos y apasionados y en ellos se regenerará el negocio porque ellos mismos son los que producen y distribuyen; ¡ya era hora!

Gran parte de esto es gracias a Myspace, el mejor medio de difusión que se ha descubierto en los últimos tiempos, obvio, es genial y aporta sólo ventajas a aquéllos que hacen música, viven en ello o la disfrutan aunque a veces un poquito terrible y dañino para una gran masa sin criterio: _"no asimiles, reparte tu tiempo en cantidad, no en calidad" _; _"ponte al día en música en una tarde" _; _ "¿No conoces a un grupo? Entra en Myspace" _ ...

Pero no hay tiempo que perder, aún queda por escuchar a sus otros 400 amigos... ¿400? quizás sea suficiente para hacernos una idea global de esa música y entenderla a partir de un puñado de canciones y sobre todo de asimilarla. Cualquiera de nosotros conoció a los grupos de su vida por un puñado de temas que le atrapó sin embargo después le dedicó su tiempo.
No, en realidad es genial,... siempre será mejor ver un estadio abarrotado por un concierto de Editors que por alguno de ésos de “o.t.”

CARIBOU. Vanguardia canadiense en el Reina Sofía

2008-06-10T20:13:00.035-06:00

Ciclo "Corriente Continua" de música de vanguardia y experimental en el MNCARS

Dos colores llegan a mi mente cuando escucho a Caribou: amarillo y azul; centelleo abisal. Debe de ser el espectro luminoso que irradia su música. Pop acuático, caleidoscópico y un estruendo de baterías.

Lo que en directo comienza intentando ser fiel al disco acaba progresivamente en un muro de sonido y estrépito, el que te arropa y consigue abstraerte. A lo largo del concierto, la intención se dirige claramente hacia el noise y el synth-pop; según Dan Snaith, “reconstruimos las canciones que acaban sonando más ‘rimbombantes’”.

Y esto es justo lo que pasó en su concierto del pasado viernes 6 de junio, en el auditorio del MNCARS. Evolución y abstracción, razón por la cual terminamos disfrutando de un concierto que podía haber sido un verdadero desastre. Eso pensé en las primeras canciones cuando una terrible vibración se acoplaba a la música destrozando su composición. La espantosa reverberación de la sala desfiguraba la actuación tragándose todo el sonido e impedía cualquier intento de perderse en las melodías. Incapaces de escuchar la voz escondida de D. Snaith, nos la imaginábamos.

Pero los artífices magos del pop lograron hacerse con el concierto, y con el público. A pesar del nefasto sonido del espacio ¿y de sus técnicos?, una banda que se reinventa a través de los directos, _ puesto que los discos son grabados únicamente por Snaith y es en las giras cuando son interpretados por el grupo completo_, nunca pierde su genio.
La delicadeza con la que eran capaces de transmitirnos su inmensa energía, nos cautivó. Hipnóticos y envolventes fabrican una música espacial que tiene mucho que ver con las estructuras matemáticas, algo en lo que anda bastante inmerso este creador y doctor en la materia. Voz en susurro, penumbra y canciones sin concluir como un modo para terminar de crear su misticismo.

Arranque entusiasta de entrada en escena con “Sundialing”; ambas baterías delante, guitarra y bajo detrás. Voz, sinte, pedales, melódica y otras percusiones completan su instrumental. En Madrid abrieron con éste, uno de los temas que cerró el concierto de Nueva York (...aquel en el que los redescubrí hace dos meses). Sin abandonar la electrónica que ha caracterizado sus trabajos anteriores, el último álbum Andorra (Merge/ City Slang, 2007), que vienen presentando en su gira, cede el protagonismo al pop y a la psicodelia.

Con Brad Weber recien incorporado a la batería después de su miniaccidente en Washington DC, continuaron el repertorio con las canciones de este extraordinario disco. Entre ellas, una de mis preferidas, “After Hours” donde el duelo de baterías rompe la capa sonora inicial y deja paso al bajo y a la guitarra detrás de la voz.

Sonaron temas de álbumes anteriores, Up in Flames (Leaf/Domino, 2003) (editado entonces bajo su anterior nombre Manitoba y reeditado en 2006 como Caribou) y del rock más abstracto y kraut de The Milk of Human Kindness (Leaf/Domino, 2005): “Hello Hammerheads”, maravilloso sobre gotas de color proyectadas, y el tremendo “Barnowl” que les aproxima a Stereolab y a Neu!

La percusión se enriquecía en el soul de “Yo-Yo” de Tour CD 2007 (City Slang, 2007), su proyecto de rarezas más reciente, y “Shim Shimmer” donde vuelven a recuperar el sonido 'krauty' en la cadencia robótica de aquel “Yeti”, ¡rememorando a Silver Apples!

“Niobe”, el tema que ya les sirve a los canadienses de broche de oro para cerrar, volvió a ser interpretado como acceso a la improvisación en clave ruidista.
Liberaron toda su efervescencia sonora en un alarde de energía y nos arrastraron en su cápsula de white noise a una catarsis multicolor.

Impresionantes, como dirían allí, awesome!

fotos: jaime martínez escudero

Brad Weber y Dan Snaith, duelo cósmico de baterías.

Si alguien se quedó sin verlos, volverán el 1 de agosto para tocar en la Expo 2008 de Zaragoza y el 2 en Barcelona, ambas quedan cerca de Andorra....

2008-04-16T20:29:00.005-06:00

Un mapa mental

"Situación construida: Momento de la vida concreta, deliberadamente construido por medio de la organización colectiva de un ambiente unitario y de un juego de acontecimientos."
S/F, “Définitions”, en Internationale Situationniste, 1, 1958;

6º EDICIÓN DE LOS ARTISTAS DEL BARRIO

2008-04-16T17:02:00.034-06:00

Errabundeo urbano

La ciudad comienza a explorarse como experiencia estética durante los años de Dada
A partir de entonces, surge la deambulación y muchos de aquellos recorridos
serán el manifiesto de gran parte del surrealismo.
Los mapas influenciales asociados a la cartografía situacionista surgen como formalización de la percepción del espacio urbano.

Según André Breton, los mapas influenciales podían dibujarse de tal forma que el color blanco representase aquellos lugares que nos gusta frecuentar, y el negro aquellos que deseamos evitar. El resto de zonas, en gris, constituían lugares donde se alternan ambas sensaciones.

Esta vez le damos una vuelta a la cromoseñalización e invertimos el significado del color negro; ahora se localiza en los lugares de interés… pero estos tendrás que encontrarlos tú.
Así que, más que deambular al azar por la ciudad inconsciente y sin objetivo de los surrealistas de 1923, se propone explorar de un modo lúdico y constructivo la realidad: el contexto urbano y sus efectos según la dérive.
Errabundeo urbano sobre una cartografía psicogeográfica, unas corrientes y unas direcciones, unos puntos fijos y una extensión.

Conexión artística en los barrios fluctuantes

Este fin de semana se mira a un espacio urbano; la extensión se sugiere a partir de los barrios de La Latina y Lavapiés. El itinerario se fija desde un punto neurálgico: La Casa de los Jacintos y hacia todas aquellas casas o fragmentos de ciudad donde artistas hacen y deshacen.

El mapa no señala recorridos interiores por el barrio. Las piezas negras forman sistemas como grupos de islas conectados en tu trayectoria, la que tú escojas con tu caminar. Las flechas son posibles derivas y el errabundeo mental.

“La tierra, bajo mis pies, no es más que un inmenso periódico desplegado. A veces pasa una fotografía, es una curiosidad cualquiera y de las flores surge uniformemente el perfume, el buen perfume de la tinta de imprimir”.
ANDRÉ BRETON. Poisson soluble, Éditions du Sagittaire, Paris, 1924.

LOS ARTISTAS DEL BARRIO 6ª EDICIÓN 19 & 20 ABRIL2008 LA LATINA LAVAPIÉS

http://www.losartistasdelbarrio.net/

Desde Manhattan

2008-03-25T13:31:00.007-05:00

Exactamente, dentro de una semana a esta hora local, aterrizo en mi querida Madrid. Continúo aquí en Nueva York, como si ya estuviese viviendo.
Dicen que es la mejor ciudad del mundo y que si hubiese que salvar una única en todo el planeta, sería ésta; New York.
He tenido que llegar hasta ella para comprobar que realmente lo que se cuenta sobre su impresionante magnetismo es cierto, porque a mí me ha atrapado sin condición.

Después de una semana observando todo lo posible casi en travelling, comienzo otra para detenerme más y hurgar en sus escondrijos, volver a los lugares donde me quedé y quedó un recuerdo, entrar y salir a los rincones marginales de las islas, y conseguir descubrir algo de lo weird que se respira aquí…

La mayor impresión es el choque entre la idea que uno tiene de Manhattan, sobre la densidad y la rapidez de sus vidas y todo lo que abarca, y la sensación que transmite al sumergirte en ella. Te acoge, no atropella ni te aparta, más bien te absorbe para sí en su caótica dinámica.
¡Pero no hay tiempo! así que escribiré rápido porque la ansiedad por salir a la calle es inevitable ya!

Gracias a la maravillosa hospitalidad de Ana y Laura que nos acogieron, me encuentro en su apartamentito, el último piso de un pequeño bloque situado junto a Union Square, entre la zona del Soho y Lower East Side; podría decirse que asediada por los conciertos en los venues de aquí, pero de esto hablaré otro día…

La primera imagen consciente de estar en la ciudad aparece en la escalera exterior de incendio de la parte trasera de la casa de mis amigas; al llegar y salir a respirar el aire fresco y polar de aquí. Brilla el sol pero el viento gélido y canadiense nos sigue recordando en qué época estamos. La brisa más urbana que marítima, el árbol desnudo que invade hasta las ventanas y las altísimas paredes que rodean nuestro insignificante bloque, nos transportan a una escena cinematográfica.

Desde Union Square por Broadway hasta el cruce con Fifth Avenue nos perdemos hacia el norte para llegar al Central Park. La gente pasea o se desplaza tranquilamente a lo largo del infinito eje. El aire es frío y a veces casi te arrastra, las corrientes de las avenidas limpian la ciudad y no percibes la contaminación. Va a ser verdad lo que los comisarios proclamaban en su informe de 1811 sobre la retícula de Manhattan; los grandes brazos de mar que rodean la isla compensan su carencia de espacios libres y le dan una situación privilegiada en lo relativo a la salud, al placer y al comercio.
Entre tanto, las calles se llenan del vapor blanco que expulsa la ciudad desde sus tripas por las alcantarillas y esa especie de chimeneas enormes que irrumpen en la calzada mientras mil historias acontecen.

Al otro lado del océano el día declina y en la isla neoyorquina aún es pronto, así que me voy a Brooklyn a descubrir otros secretos.

DAVID DANIELL

2008-02-29T11:23:00.013-05:00

DAVID DANIELL
LA CASA DE LOS JACINTOS - DOMINGO 17 FEBRERO

Algo de lo que no me percaté en su momento me atrapó y ha estado en mi cabeza rondando un tiempo después. Como un eco, sin aturdirme pero reiterado, en seguida casi era pictórico. Sólo unos días, pasado el concierto, creí encontrar la forma de expresar de algún modo este sonido y de, quizás, identificarlo.

Conocida la trayectoria del prolífico músico de Chicago, _además de ser fundador de San Agustín, y formar parte como miembro de la orquesta de Rhys Chatham, o como principal guitarrista en el grupo de los February de Jonathan Kane, David Daniell ha colaborado con Thurston Moore, o Doug McCombs (Tortoise, Slint) entre otros muchos _, escucharle solo, podía ser una oportunidad para descubrirlo en su estado más vital. De nuevo es Giradiscos quien nos trae a un crack del drone.
En contraste con Steffen Basho Junghans, David Daniell extiende un arsenal de pedales y otros cacharros junto a su precioso ampli de válvulas. Sobre una base de efectos y guitarra distorsionada mantiene y alarga los riffs graves, ecos de un violín de Tony Conrad.
Crea estratos de sonido a la vez que los graba en su delay, como en una diminuta caja que guarda tesoros efímeros. Y como un genio las deja escapar permitiendo que se disipen una sobre otra, ordenadamente.

Precisión y templanza. Arquitectura minuciosa que abre y cierra habitaciones acústicas. Más que construir, destruye para ordenar a través de la deconstrucción.
Notas libres, no arbitrarias y un efecto de slide que las estira y acentúa. Notas como punzadas que cosen la textura-estructura de fondo electrónico.

Las atmósferas inventadas por Daniell a través de drones y bucles de electricidad, evocan sensaciones lejos de lo sensible y lo simbólicamente reconocible. Más allá de la música retiniana, e incluso después de cruzar los horizontes dibujados, nos queda una imagen absolutamente abstracta.
Remitiéndome a lo plástico, la música de David Daniell es ¡puro expresionismo abstracto norteamericano! …del color-field.
Y, como aquellos campos de color, en este caso, son campos de resonancia y campos electromagnéticos que te inundan y te saturan hasta extremar el impacto auditivo o la inmediatez del sonido.

“Palmetto” es puro reber, el zumbido amortiguado nos ciega y nos traga.
Un fondo, el background infinito, y a partir de aquí la capa se extiende o se contrae. Si hay líneas, éstas delimitan, no limitan; rompen, no cierran. No melodía. Ritmo oculto y armonía camuflada.
Excepto en “Sunfish”, un giro de tuerca en la repetición. El tema con los acordes reconocibles de la guitarra acústica, ilumina y se funde en la masa densa y mínimal del resto de su segundo trabajo en solitario, “Coastal” (2006). Entonces Daniell, ahora orgánico y picando en el avant-garde, disuelve la imagen y las cuerdas recuperan su cadencia; ¡otro guiño a J. Fahey!

Concentración en las posibilidades expresivas del ruido. De vuelta al drone y más cerca del noise, en “Glasswort”. Supresión de figuras y simbolismos, el músico elimina cualquier adorno melódico y simplifica todo en un gesto, explorando en una nueva manera de comprender la música y el sonido.

Ancestral y sublime. Si Rothko hubiese hecho música, sus piezas serían como estos paisajes.

EMBRYO

2008-02-25T14:16:00.003-05:00

EMBRYO
LA CASA DE LOS JACINTOS – MIÉRCOLES 13 FEBRERO

¿Qué se podría decir del concierto… más esperado de la semana?

Ahí estaban los de Munich, mismísimos dinosaurios del krautrock alemán, aún activos desde 1969 y de gira por el mundo. No dábamos crédito, los pioneros del rock progresivo más experimental tocando “en casa” para nosotros… Ahí estaban… desde las 5 de la tarde para hacer una prueba de sonido que nunca llegaba y que no se terminó hasta pocos minutos antes del concierto. Germánicos pero muy, muy hippies. Trajeron toda su esencia comunal hasta la calle Arganzuela donde aparcaron su furgoneta sin llave.

La Casa de los Jacintos se llenó como previmos y la altura de las expectativas de un público exigente, podéis imaginar cuál era.
Los cuatro multiinstrumentistas sobre el diminuto escenario más un nuevo y joven miembro, la hija del que lidera la banda, y la voz, incorporado en el proscenio, fueron desarrollando los temas que suponíamos nuevos aunque algo confusos. Sí, la verdad es que, a pesar de la solera y ese despliegue instrumental entre viento y teclados, la actuación desorientó un poco.

Empezaron bien, con Christian Burchard al vibráfono y su hija entre la batería y la marimba, marcándose luego un solo con el trombón.
Los otros músicos (guitarra, laúd, bajo y fagot) se adaptaban a la improvisación mientras interpretaban piezas inmersas en el jazz y la psicodelia pero con una clara influencia oriental _“la influencia del sonido hindú y sobre todo de Afganistán [en sus continuas vivencias allí]”_, explicaba el guitarrista Roman Bunka.

El sonido actual, y el que adquirían, tomaba prestado algo entre Joe Lovano y el “Brown Rice” de Don Cherry. Con buenos momentos, en general se hizo un poco tedioso ante un desánimo evidente y una ambigüedad que no terminaba de convencer.
El anhelo con el que todos aguardábamos un concierto entregado y con el esperado entusiasmo aún intacto del colectivo de hace más de 40 años, se fue desinflando con los temas.
No eran Amon Düül, a pesar de unas recientes colaboraciones de Burchard con estos en un nuevo proyecto, diría, experimento (¡extraoficial!); ni por descontado, Can, en su rivalidad.

Solos, sin la banda que les acompaña, la No-Neck Blues Band de Nueva York, en uno de sus recientes trabajos “Embryonnck” (2006), pasaron por Madrid, gracias a un amigo que los conoce bien. Eso es, pasaron o se dejaron caer, en un concierto para cumplir y, quizás, también pasarlo bien.
Después de haber tocado en Barcelona, el grupo de Christian Burchard continuaba su gira hacia Marruecos con una paradita en Granada.

¿Qué puede decirse del concierto más esperado… y quizás más decepcionante de la semana?
La experiencia de charlar con ellos y de haberlos visto tan de cerca para los que tienen sus viejos vinilos o los escuchábamos hace mucho tiempo, ahí queda.

¡Hasta la próxima Embryo!

STEFFEN BASHO JUNGHANS

2008-02-24T16:37:00.003-05:00

STEFFEN BASHO JUNGHANS
LA CASA DE LOS JACINTOS - DOMINGO 1O FEBRERO

El guitarrista berlinés de las 12 cuerdas lamenta su escaso reconocimiento frente a otros conocidos guitarristas, y nos lo hace saber. Sin previos ni teloneros, con el sumo cuidado de no perturbarle antes del concierto, _y de no condicionar a los presentes llevándoles a la arbitraria, injusta e inevitable comparación entre el guitarrista que por un momento casi se me ocurre pinchar y el que venía a deleitarnos con su virtuosismo en las cuerdas_, Steffen Basho comenzó a tocar.

Susceptible y taciturno, se mostraba sumido en su mundo acústico al principio. Recorrió un camino por lo que parecían sus clásicos de entre los clásicos, me refiero, su tributo personal a John Fahey. Amenizando a veces con temas de talante más folklore y tradicional, retornaba al drone de sus sesiones experimentales.
Tal fue el retorno, que nos llevó hasta su performance de solo acústico de 1998 para introducirnos alguno de sus “Landscapes in exile”. Esta vez la guitarra parecía cualquier otro aparato; los dedos concentrados en el centro de la caja, pellizcando las cuerdas a enorme velocidad e incorporado todo él sobre su instrumento. O ampliaba el espacio de sus paisajes sonoros probando con un sencillo slide que él mismo se fabricó _nos explicaba después_, con el cuello de una botella por su diferente vibración, la del vidrio y los armónicos. Con sus dedos o con slide, siguió en trance, arañando hilos que sonaban como mil.

Generosidad y emoción de un domingo por la noche, su satisfacción se prolongó hasta altas horas de la madrugada… (no tanto).
Varias veces pasó entre nosotros sintiéndose espectador, le daba un trago a la cerveza y recuperaba fuerzas mientras subía de nuevo al escenario. Adicto a sus dos acústicas, la de 6 y la de 12 cuerdas, tocó espléndido hasta casi agotar su repertorio.

Como el mismo S. Basho Jughans cuenta acerca de su solo acústico: _“Sin las técnicas correctas y con sonidos errados, el microscópico universo de mis instrumentos es la clave que me abre el camino. Sin guitarras especiales y con cuerdas muy usadas, desde la impresión de un sonido como situado detrás de la guitarra, obtengo mi propio registro dinámico”.

MUSICOFILIA EN LA CASA DE LOS JACINTOS

2008-02-24T16:23:00.003-05:00

LOS CONCIERTOS DE LCdlJ
DRONE, KRAUTROCK Y PSICODELIA

Últimamente parece que somos muchos los que con frecuencia coincidimos en La Casa de los Jacintos, aunque esto ya viene sucediendo desde hace tiempo, sobre todo para los que vivimos dentro de su radio de acción; …los amigos, los conciertos, las historias y el espectáculo ….siempre hay algo que se cuece por allí. Pero es que últimamente ¡está que se sale!
En una semana todos los días hubo una razón para acudir a los Jacintos. Aquí cuento mis visitas y la música que acompañó.
4 conciertos entre los 5 ó más que hubo:

STEFFEN BASHO JUNGHANS (Berlín) – domingo 10 febrero
EMBRYO (sí, sí! los mismísimos Embryo, desde Munich) – miércoles 13 febrero
AL COMPAO (FLAMENCO) – jueves 14 febrero
ILLUSION OF SAFETY + DJ AMSIA (Chicago) – sábado 16 febrero
DAVID DANIELL (Chicago) – domingo 17 febrero

MV & EE with THE GOLDEN ROAD + Thee Belvis Monroe

2008-02-07T14:38:00.002-05:00

Würlitzer Ballroom. 30 enero 2008

El miércoles me acerqué hasta el Würlitzer para ver lo que se presentaba como un concierto de free folk o new weird America, en otras palabras, folk rarito y progresivo. Bien, tratándose de Matt Valentine y Erika Elder, no dudaba en que sería una actuación impregnada por la psicodelia y el ruidismo que les caracteriza. Aunque para ruidismo, lo primero que encontré al llegar: al fondo de una sala abarrotada por todos los adictos a sesiones infernales de psicodelia experimental, Thee Belvis Monroe ya la estaban armando. Estreno sobre un escenario, denso y envuelto en luz roja. Toda la tensión concentrada en las guitarras. Con un tono más crudo y lo-fi que de psicodelia americana, el sonido, próximo al post-core, de los madrileños me acercó por instantes a los buenos tiempos de June Of 44 y Shellac. Estructuras contenidas en un torbellino sónico, canción hablada entre distorsión y algunas melodías encajadas en el ruido instrumental para un directo breve, intenso y compacto que preparaba el terreno al quinteto que teloneaban.

Tengo que admitir que, en principio algo escéptica con los de Massachussets, por este último disco a lo Neil Young que presentaban, “Gettin’ Gone”, y precisamente por esas voces que no acababan por definirse _ es posible que además del modo en cómo cantaban también influyese una acústica no muy adecuada del lugar junto al escenario en donde me ubicaba _, la sensación mejoraba en cuanto recuperaban el tono psicodélico más propio de “Green Blues”, su anterior trabajo.
Acompañados por Chris a la batería (y no J.Mascis, con el que grabaron en ambos discos), Doc Dunn (lap steel), y Marissa Nadler al bajo, con templanza y siempre inmutable, lo que comenzaron en un folk más calmado y asequible se tornó en algunos jams de tremenda progresión interminable. Lo mejor lo guardaban para el final. El último tema, el más largo, el más grande. Abrumador. Olvidé que era miércoles, que estaba en Madrid y que en la mañana tendría algo que hacer…y pensé, aquello bien podría ser un garito de Alemania a finales de los 60 con la pandilla de Amon Düül o Ash Rä Temple flipando en su universo.

A unos les pudo el sopor con la consiguiente fuga en masa, a otros nos atrapó el globo ruidista-musical. Quizás estar tan cerca del escenario ayudó a digerir sin escapar el enorme bocado de riffs y golpes de batería infinitos porque allí, yo, no veía el fin pero el colofón llegó y el viaje lo valió.

fotos: sderock
montaje: mv

Los Artistas del Barrio

2008-01-27T16:24:00.002-05:00

Rojo, blanco y negro. Naturalmente no estamos en la Bauhaus de Weimar de 1919, ni en la época del constructivismo pero sí hablamos de artistas en casas, del arte que se gesta en los talleres y en las propias casas de los que participan en esta iniciativa.
En 2004 a la belga que nunca deja de sorprenderme, Eponine Franckx, se le ocurrió la genial idea de trasladar a nuestra ciudad un evento que ya funcionaba desde hace tiempo en Berlín, Paris, Barcelona y Nueva York, y en su ciudad natal, Bruselas. Se trataba de buscar un proyecto que, a corto plazo y en su inicio subvencionado por la Comisión Europea, surgiera como motor para proyectos posteriores similares y con relativa continuidad.
La idea surgió en mayo de 2002, visitando le Parcours d' Artistes de Bruselas.
El proyecto, unas jornadas de puertas abiertas sobre arte, se basa en una actividad muy intensa y concentrada en un solo fin de semana, algo que podría recordarnos a La Noche en Blanco pero mucho más casero, personal y recogido. Porque hablamos de una serie de barrios próximos entre sí, porque es necesario que exista un itinerario pero lógico y asequible, y porque es preciso que en un tiempo razonable sea posible asimilar lo que el interior de un barrio nos reserva.
Durante dos largos días el público se pasea por las calles, en un fragmento de la ciudad, se pierde en los entresijos de un barrio y de una casa o de un portal. Y uno descubre acuarelas, sombreros y horizontes; el árbol de un jardín; el rostro en una fotografía pinchada en la pared, la imagen proyectada en el balcón y una ventana destrozada a costa de los cambios insaciables de un propietario algo inconformista.
La obra está ahí, al alcance de quien entra en un taller o sube al piso en cuestión, y no sin su creador. La interacción visitante-artista-objeto es clara y directa.

Cuatro primeras ediciones en 2004 repartidas entre los barrios de Lavapiés-La latina, Malasaña- Chueca y Fuente del Berro-Ventas. La quinta, en abril de 2006, desde la autogestión y financiación propia y siempre sin ánimo de lucro.
Hace ya cuatro años desde su inicio en Madrid y ésta será su 6ª edición, la que tendrá lugar el fin de semana del 19 y 20 de abril en los barrios céntricos de La Latina y Lavapiés. Repiten los barrios y repite el centro y punto de apoyo, siempre dulce hogar, La Casa de Los Jacintos. Y de nuevo, esperamos que el boca a boca (y el “mail a mail”) funcione tan bien como siempre lo hizo. Y ahora contribuyendo a la causa y también desde aquí, intento persuadiros a que participéis… y si no, os animo, os invito, os pido! que enviéis ese mail a todo el que conozcáis que pueda o quiera participar……siempre que sea antes del 1 de marzo.

DIBUJANTEFOTOGRAFADIBUJANTEFOTOGRAFOPINTORPINTORAESCRITORMUSI
COESCRITORAVIDEOARTISTALANDARTISTAGUIONISTAREALIZADORREALIZADORA
MUSICAACTRIZACTORESCULTORESCULTORAARQUITECTOARQUITECTA!
MUESTRA Y DI!

Salto a 1934 desde 2007: un fondo sonoro para L’Atalante

2008-01-18T15:46:00.002-05:00

Pequeña historia en la historia de una travesía de una historia de amor.
Juliette y Jean eran amantes. Un día se casaron y salieron de la iglesia con el mundo y las canciones de Beirut detrás.
Camino hacia la barcaza Marc Chagall les pintaría atravesando el bosque. Los novios recortados sobre línea de horizonte y cielo gris, y me imagino a Frida Hyvönen sonando de fondo. La gente formal y de oscuro les espera, L’Atalante en silencio les aguarda,…y Michel Simon les recibe tocando “While You Were Sleeping” de Elvis Perkins con su acordeón. Jean sube a bordo y ayuda a Juliette. Ella aún no muy convencida de lo que va a hacer, piensa, ¿por qué Alex Delivery me atormenta?

Arranca sobre el río Sena la nave con Panda Bear mientras se despide de aquellos que se quedan atrás, y comienzan su vida y su luna de miel. Sonidos náuticos y de presión acuática y despegue por el río, cándido pero misterioso como su música. Juliette blanca sobre absoluto negro. Navegan y mientras,… “Bro’s” se disipa y Animal Collective comienza a dar guerra.

Tentados por la ironía en los aplausos de CYHSY, la pareja se atreve en la ciudad. Intentos por compartir la diversión que da paso a la melancolía y a la soledad; es el inevitable contagio por los “23” souvenirs de Blonde Redhead.
Se acercan los “fantasmas” del amor que trae Radical Face. Se presienten los oscuros. Los “caballos” de The Besnard Lakes que siguen con el juego a lo Brian Wilson del Oso Panda, esclarecen y ensombrecen los deseos de Juliette.

Harta de esta barcaza y sus tripulantes salta a tierra entre los gritos calculados de Battles… y se pierde, los “reflejos” en las esquinas, buscando la ciudad.
Malévolos Of Montreal para desorientar y enloquecer. Perversa es la psicodelia para delirar aunque aún no hemos llegado a la nouvelle vague. Poesía surrealista y explosión con “trampantojo” de Malajube… la novia aún continúa sin volver…
Y Jean se hunde aún más en la tristeza, y en su barca con Deerhunter. Y sigue Low, low, low… Ni siquiera sonando “Fake Empire” de The National, es capaz de remontar.

Entonces Micah P. Hinson canta “el sueño de ella”. Sueños extraños en mundos de agua. Separados y unidos por el pensamiento. Es Múm quien quiere ahora salvarlos.
Despierta Jean! Danielson te arrastra en sus “barquitas” entre golpes de azúcar hacia los New Pornographers. Juliette no se encuentra y Jean regresa.
Buenos presagios, en el aire suenan baterías de Explosions In The Sky y Do Make Say Think.
Despedida con encuentro en la catarsis final, la culpa es siempre de Arcade Fire. Aunque no es tanta la catarsis como la alegría y lucidez de un gran amor recuperado; ahora escucho y me dejo infectar por el pop de Jens Lekman…

…. ¿o regreso mejor al campo magnético de 1999 para recuperar “las 69 de amor”?

¿más listas...?

2008-01-18T15:27:00.002-05:00

Creo que a estas alturas del año, una lista más, una lista menos de “lo más mejor” de 2007 en música poco importa.
Continuamos sufriendo la sobredosis, y ahora mi contribución al empacho, de largas enumeraciones de músicos y bandas aparecidas durante los últimos días en toda clase de prensa musical. Una colección tras otra …, nos bombardean con los mismos discos, de iguales grupos, en cuyo orden de preferencia los medios marcan sus diferencias; ¿cúal primero, Jens Lekman o Beirut?; ¿en primer lugar, nuestros admirados Arcade Fire o Mr. Robert Waytt recordándoles sus orígenes? ¿El joven y brillante Elvis Perkins o el veterano Vic Chesnutt jugando con las “estrellas” de Constellation? ¿Los bizarrísimos Parenthetical Girls o, aún más locos, sus amigos Deerhoof?
Da igual, como antes decía, poco importa.. Que cada cual escoja los sonidos y las canciones de sus instantes. ¿Y lo mejor?,… lo mejor lo averiguaremos dentro de 10 años. Un amigo me contaba el otro día que en Montreal es muy común y entrañable, lejos de todo este mercado, comenzar el año saludando a los amigos con listas propias de música. La excusa perfecta para entrar en divertidas polémicas y dialéctica musical.
Siguiendo un poco esta idea, opto por provocaros un poco nombrando los que a mí me acompañaron éste último año, los que ahí en mente tenía últimamente,... porque no están todos los que son ni son (lo mejor de 2007 quizás sea de 2006) todos los que están y, claro, los que desde aquí me atrevo a recomendar. Mi gran amigo, el que vive del cuento, me dio una idea algo descabellada para una lista… en formato de cuento.
Así que ahí va, en mi versión de un fondo sonoro para L’Atalante.

ENCUENTRO DE TITANES: EL MARAT/SADE DE PETER WEISS A TRAVÉS DE PETER BROOK

2008-01-03T11:01:00.003-05:00

Esto del “Buzón de Sugerencias” de la Filmoteca no te deja opción; o vas el único día programado o te quedas sin ver la peli que probablemente no vuelvan a emitir por no estar dentro de ningún ciclo, con suerte en la próxima “sugerencia”. Esta vez hubo suerte, al menos para los que fuimos a la Filmo el jueves 27 de diciembre.
De nuevo han “sugerido” proyectar “The Persecution and Assasination of Jean Paul Marat as Performed by the Inmates of the Asylum of Charenton under the Direction of Marquis de Sade” o el Marat/Sade (1967) de Peter Brook, la adaptación cinematográfica que hizo el director británico sobre la célebre obra teatral de Peter Weiss.

La versión podría parecer más teatral que cinematográfica, pero es cine del teatro dentro del teatro. Y digo cine porque el director, que ya en 1964 había dirigido la puesta en escena de la pieza teatral interpretada por los actores de la Royal Shakespeare Company, logra llevar después la obra a la pantalla sin eludir los códigos cinematográficos y aprovechando sus recursos para crear una extraordinaria película que aún hoy continúa maravillando y perturbándonos.

Sade, interpretándose a sí mismo, dirige una obra en el manicomio de Charenton cuyos actores son los propios internos representando el asesinato de Marat postrado en su bañera.
El enfrentamiento en un juego dialéctico y contradictorio entre el Marqués de Sade y el activista Jean Paul Marat pone de manifiesto, bajo el fascinante tema de la revolución y la libertad, los dos enfoques de ambos personajes. Tanto Marat como Sade buscan cambios pero difieren en el modo y en el uso del poder; el uno a través de la política y la revolución, y el otro a través del sexo y la imaginación. Defendiendo, Marat, el bien común y del pueblo, y Sade, el individualismo y la búsqueda personal de la felicidad.
El Marqués no cree en la Revolución Francesa. Piensa que la matanza bajo la insaciable guillotina se volvió mecánica, y eso aleja al hombre de su propia naturaleza en cuanto que deja de matar a sus semejantes buscando su propia felicidad. Para Sade, el asesinato debe ser apasionado, para Marat, lo importante es que puede encontrarse su razón de ser.
¿Qué partido tomar? ¿Quién logra persuadirnos? ¿Es Marat “el rey de la revolución o el carnicero de la libertad”? ¿Triunfa Marat como lider reivindicador de un derecho vital y posible o tan solo es el espíritu idealista de una utopía? ¿O la victoria es para el escepticismo y el aniquilamiento personal del Marqués de Sade?
Aquí es donde cada director debe decidir su final. Como dice Sade al final de la obra:
_ “El objetivo de esta producción es destruir los grandes propósitos y sus contrarios. Dos enfoques: Marat y éste [Sade]. (…) Por tanto, no hay una última palabra, sino un final abierto. Terminar con una pregunta sin responder”.

En este caso, realmente no quería extenderme demasiado con la trama de la obra, a mi pesar porque es interesantísima, sino sólo para situarnos y contaros más mi impresión de la película desde la perspectiva brookiana, si se puede decir así.

El film se desarrolla sobre un único “escenario”: siempre la sala de aseo diario de los internos del Centro que ahora sirve de escenario y los encierra como “actores”, separados del público por una pared de barrotes.
Maravillosas interpretaciones de lunáticos interpretando. Representación enriquecida con música y canciones intercaladas que, además de incluirse en el texto original de Weiss, le sirve al director como estrategia de distanciamiento (lo que ya usaba Bertolt Brecht). Letras ácidas y críticas y humor inteligente que en nada se corresponde con las comedias musicales.
_ ”¡¿Qué sentido tiene la revolución sin la gran copulación?!” _ entonan todos juntos, en un escándalo de música y gritos, repitiendo la frase de Sade antes de que la dulce Charlotte Corday le clave la daga a Marat y acabe con su vida.
Me encanta cómo resuelve el espacio en una escenografía a base de cajas-foso o casas-ataudes, con palets de madera abatibles como tapas, donde las gentes “caen”, fallecen o se esconden …y viven. ¿Y cómo recrea la decapitación colectiva? El sonido de la cuchilla es el de una barra metálica arrastrada sobre rejas; a continuación el golpe seco de una placa sobre el suelo, tack! y el actor cae sobre uno de estos fosos, y después otro y otro. Ingenio y humor negro después de la ejecución. Vierte la pintura de un cubo en otro para diferenciar entre la identidad de los ejecutados: sangre azul para el rey, rojo para el resto, ¡y blanco-negro para Marat!

Todo sucede en el mismo “espacio vacío”. La exploración psicológica de los personajes, los argumentos y las confrontaciones se desarrollan siempre sin perder un verdadero registro histórico. El planteamiento político, estético y filosófico de Peter Brook nos hace partícipes de un juego dominante de las ideas y de la reflexión pero esto no le impide abandonar su propuesta plástica y visual.
Revolución y locura analizadas desde un montaje y una puesta en escena radical. Grotesca, poética, expresionista, fascinante. Genial. La adaptación de P. Brook muestra la perfecta contraposición del teatro de Bertolt Brecht y de Antonin Artaud (experimentando con el “Teatro de la Crueldad”). ¡Se nota que él es uno de los directores escénicos contemporáneos que más ha bebido de ambos autores!
El montaje ya transgredía en 1967 y sigue impactándonos. No sólo es la teoría social y política lo que le sirve de fuente como revolucionario, sino su exquisita sensibilidad personal, el entusiasmo y disponibilidad a todos los cambios y acontecimientos. Su mirada le hace único y singular.

El teatro experimental de Peter Brook sigue sorprendiéndonos como pudimos comprobarlo hace un par de meses cuando trajo a Madrid sus últimos trabajos para el Festival de Otoño; más minimalista y más puro que nunca.

Lo que vi el jueves, cine del más puro teatro; de cine! Cómo me hubiese gustado ver su versión teatral.

No voy a contaros cuál es el enfoque definitivo hacia el que se inclina Brook en un happening final porque entonces, os destriparía el final de …la peli. Pero os lo podéis imaginar, no? y si no, os remito a la página 112 de su “El espacio vacío”. Aunque antes, prefiero dejarlo abierto para tentaros a que la veáis.

Acabar el año...

2007-12-30T16:11:00.001-05:00

…con hojas aún en los árboles.
Con acción e imaginación. Encerrada en mi frigo-casa, leyendo, escribiendo y escuchando música hasta el sueño cuando duermo. Sin dulces, ni luces, ni abeto. Bebiendo café para compensar la escasa calefacción. Es una forma de pasar las minivacaciones de Navidad, si no hubo ocasión para escapar de Madrid y si, además, se vive tan cerca del turbulento centro.
Aunque no hay nada como estar con los amigos y de vez en cuando ver un buen concierto, que los hay, de aquellos que permanecen en la ciudad y actúan para los de la capital. Sí, alguna buena peli y unos pocos conciertos se esconden tras la gigantesca y absurda oferta navideña. Lo mejor suele aparecer eclipsado por demasiada estupidez radiante y multicolor. Tonterías para recordar, para llorar y sonreir, y para hacernos consumir.

Desde mi pequeño centro de operaciones o casa-laboratorio-congelador diviso los meses pasados y trato de recapitular los acontecimientos. Siento cierto aprecio por los números impares, por aquello de la asimetría quizás, pero intuyo un próximo y buen número par. De momento me entretengo en observar las gracias de mi gatita y el curioso parón vegetativo de mis plantas que responden tan bien a la climatología de mi hogar.

EN “LA CASA” CON SANDRO PERRI

2007-12-26T16:19:00.002-05:00

La Casa de Los Jacintos; viernes, 9 de noviembre, 2007

Acostumbrados a escuchar bandas que ni imaginamos ver en directo por su dificultad en llegar hasta aquí de gira, hace poco pudimos sorprendernos. Su música nos llega a la velocidad de la luz cibernética pero ellos no siempre pueden encontrar los medios para viajar hasta aquí y tocar.
La noticia pudo escucharse en la radio. Lo primero que llamaba la atención es que alguien desde Canadá como Sandro Perri (antes Polmo Polpo, del sello Constellation) viniese a tocar a Madrid. Me quedé atónita cuando además escuché que actuaba en La Casa de Los Jacintos.
El músico de gira por varias ciudades (Barcelona, Tarragona, Castelló en el Festival Tanned Tin y Valencia) hace una escapada entre concierto y concierto y se acerca hasta Madrid.

La atracción era doble: el músico y el lugar. La oportunidad se presentaba como un concierto en la intimidad de “La Casa” y parecía la ocasión perfecta para hablar sobre su último álbum.
Redescubrir su música, redescubrir al músico. Como él mismo dice: “las canciones en directo siempre suenan de distinta manera a como se presentan en el disco. Esto te permite descubrir otras facetas del músico, el otro lado, quizás más oculto, más desconocido.” En efecto, Sandro Perri venía por primera vez a ofrecernos, su música en cuerpo y alma, su lado más íntimo y cercano, con un disco más colorista que sus anteriores trabajos, oscuros e inmersos en la electrónica instrumental.
Recordando la sobriedad de músicos como Godspeed You! Black Emperor, la simpatía y sencillez del músico de Toronto nos sedujo desde el principio.

Entre sillas e imágenes fotográficas, recogidos en un espacio de la pequeña sala de exposiciones, la pregunta más obvia fue: ¿por qué antes Polmo Polpo y ahora Sandro Perri? “Tiny Mirrors” (Sandro Perri, 2007), el disco que venía a presentar, es más reservado y cálido, sin banda aunque con pequeñas-grandes colaboraciones (Ryan Driver, Eric Chenaux, entre otros). Suena más orgánico y háptico que el electrónico y visual “Like Hearts Swelling” (Polmo Polpo, 2003).
Si pensamos en aquel oscuro “The Science of Breath” (Polmo Polpo, 2002), donde el dub y el techno creaban un interior oceánico, encontramos un enorme contraste entre aquello y lo actual. La compacidad musical de los primeros trabajos reventaba notas envueltas en densas capas de sonido. Ahora su mundo acuático nos acerca a aguas más cálidas y luminosas, con aire tropical.

El proyecto que le sirve como estado de transición es “Plays Polmo Polpo” (2005). Un EP donde, en sus propias palabras: “Las canciones en “Plays Polmo Polpo” son una reinterpretación de temas del anterior álbum. Es como si hubiese “cocinado” esencialmente el mismo material pero de otra manera nueva y con distintos ingredientes". Las fotografías que cubren las paredes de la sala donde nos encontramos representan los interiores de una casa en penumbra. Justo en frente, la imagen es la de una cocina. Al igual que pudo ser en una cocina, algunos de los temas fueron grabados en una habitación. Material concentrado y procesado en su laboratorio personal para experimentar con ello y pulir hasta el último detalle su trabajo final. Perfeccionista e inagotable: “Me tomo todo el tiempo que necesito para trabajar, sin presión y a un ritmo que me permite indagar en la transformación del sonido.”
Y tal es la transformación de su música que en su evolución no deja de explorar y reinventarse así mismo. Electrónica hipnótica y opaca al principio (white noise), se va fragmentando a medida que incorpora otros sonidos más orgánicos.
El nuevo proyecto surge de la necesidad de expresar, ahora de una manera, quizás, más directa, más humana si puede decirse. Si antes se expresaba sin la voz, a través de las melodías de infinitos instrumentos entrelazados, ahora escoge la palabra y bases de raíz más clásica, en un modo más acústico y de sencillez instrumental.
La poesía de su música se vuelve escrita.

Sin abandonar la riqueza instrumental, a base de percusiones, vientos e incluso a veces el chello, sus canciones recobran claramente un sentido más personal.
¿Cómo “fabricas” los temas?; ¿en qué manera ha cambiado tu modo de concebirlos?
“De alguna manera todo es simultáneo. Construyo la melodía improvisando, pero por otro lado, comienzo a escribir, sin pensar en determinadas notas. Así que la canción toma forma a medida que voy adaptando esas letras a la música y viceversa. Incluso cuando toco las primeras notas que constituyen la base de la canción no suelo pensar en cómo entrará el resto de los instrumentos (o músicos).”
Letras, quizás menos irónicas de lo que parecen, hablan de sí mismo. Sin ser necesariamente autobiográficas, las canciones destilan su poesía y su melancolía.”Abstracción de la experiencia vivida y de los sentimientos más viscerales. Las canciones son la traducción formal de tu interior más irracional”.
Su búsqueda en las melodías es paralelo al tratamiento de sus textos. Sus juegos con las palabras le llevaron hasta el extraño título de Polmo Polpo: “Me divierte jugar con el lenguaje”. Y no es de extrañar dadas sus fuentes idiomáticas más próximas, inglés, italiano y francés.

La curiosidad que despiertan los enigmáticos grupos canadienses hace inevitable interrogarle sobre su relación con el sello y los grupos del mismo.
¿Cómo resulta ser un músico del sello Constellation, un sello con una identidad tan marcada por grupos como los Godspeed Your! Black Emperor o Do Make Say Think (también de Toronto)?
“En realidad el sello comenzó en esa línea, cierto, pero ya han pasado años desde el primer disco que grabaron para Godspeed, a lo largo de los cuales la discográfica ha ido abriéndose a estilos cada vez más variados donde hay cabida para músicos….muy distintos entre sí, con otras ideas”. Esto es cada vez más evidente; basta recordar el último fichaje del sello con el cantautor Vic Chesnutt y anteriormente con Carla Bozulich, ambos creadores de universos muy distintos a las atmósferas del post-rock de sus compañeros.

Me pregunto qué hay en Canadá, qué es lo que inspira la inagotable aparición de músicos. S. Perri me cuenta que es cierto que existe una ola imparable de nuevos músicos en Canadá, pero este fenómeno es reciente: “Hace alrededor de unos diez años no se hacía prácticamente música en este país, o lo que existía apenas emergía. Desde entonces se ha producido un bomb contagioso”. Bien por el arranque de una serie de grupos (como los Godspeed…que han promovido favorablemente la escena musical desde Montreal….), bien, por una especie de focos (laboratorios, experimentos) musicales que han resurgido contaminándose entre sí una maravillosa fiebre creativa, lo cierto es que el país de los arces se ha convertido en filón para la industria de la música.

Bien, no podía marcharme sin preguntarle sobre gustos o alguna referencia. Sin mostrar demasiada disposición a contestar, ya que más bien me respondió con otra pregunta sobre la música que yo escuchaba, eludí hablarle de músicos en los que encuentro algún punto en común. Por ejemplo, José González cuyo folk tiende hacia los riffs y las estructuras repetidas del post-rock y la electrónica cuando en Sandro Perri la evolución es inversa y su encuentro con la bossa nova comenzó desde la electrónica.
Esto se percibe, y como él mismo reconoció, es la influencia de la música brasileña de Caetano Veloso y Chico Buarque, además de algún otro clásico como Tim Buckley.

Aprovechando la conversación con S. Perri, pude desmentir cierta noticia aparecida en internet sobre una actuación suya en el pasado Primavera Sound sustituyendo a Ben Weaver, (éste se cayó del cartel). Yo misma me retracto de haber contribuido desde aquí a la difusión de una información errónea. Bien, ésta ha sido la primera vez que Sandro Perri actuaba en España.
Confirmado, a pesar de que decir esto no me beneficie demasiado, internet no siempre es la fuente correcta. Sin embargo, yo os prometo que, esta vez, mi fuente era de primera.